Gianluca Gamberini

Gianluca Gamberini was born in 1979 in Bologna, Italy. He now lives and works in Paris.

www.gianlucagamberini.com

 

This is the second time I talk about Gianluca’s photos, needless to say it is because I find them very interesting, in this case mainly for the “unexpected” subject and the care of his representation. “Tokio Ga” has been showed during the “Rencontre de la Photographie” de Arles 2013 in the section “Voies Off ” and it will be show at Paris Photo 2013 at Galerie du Jour Agnes B stand.

Questa è la seconda volta che parlo delle foto di Gianluca Gamberini, inutile dire che è perché le trovo molto interessanti, in questo caso soprattutto per il soggetto “inaspettato” e per la cura con cui è stato rappresentato. “Tokio Ga” è stato esposto quest’anno ai “Rencontre de la Photographie” di Arles, nella sezione “Voies Off” e sarà esposto a Paris Photo 2013 nello stand della galleria di Jour Agnes B.

 

All Images Copyright © Gianluca Gamberini – Published with permission of the author

IN THE INTERSTICE – A text by Xavier Gonzales – Back from Tokyo where he has been spending time as an artist in residence, Gianluca Gamberini gives us a very personal vision of the city and its vernacular architecture. He catches the paradoxes, the abrupt passages from high density to semi-rurality. And behind the apparent chaos generated by the permanent compromise between the desire for tradition and the acceptance of modernity, he finds a delicate impassibility, a minute yet sufficient distance between each thing. Gianluca Gamberini’s background is in films and he has constructed his new photo series along the lines of an urban tracking shot, guided by chance and intuition. His progress from place to place led him to discoveries, situations, and sequences inspired by Wim Wenders, who in turn inspired his title, Tokyo-ga – ‘Order (elegance) in Tokyo’.

Tornato da Tokyo, dove ha trascorso del tempo in una residenza per artisti, Gianluca Gamberini ci dà una visione molto personale della città e della sua architettura vernacolare. Afferra i paradossi, i bruschi passaggi da alta densità a semi-ruralità. Dietro l’apparente caos generato dal compromesso permanente tra il desiderio per la tradizione e l’accettazione della modernità, egli trova un impassibilità delicata, una piccola ma sufficiente distanza tra tutte le cose. Il background di Gianluca sono i film, forse per questo ha costruito la sua nuova serie di foto lungo le linee di una carrellata urbana, guidata dal caso e l’intuizione. Il progresso da un luogo ad un altro lo ha portato a scoperte, situazioni e sequenze ispirate da Wim Wenders, che a sua volta ha ispirato il suo titolo, Tokyo-ga – ‘Ordine (eleganza) a Tokyo’.

Gianluca Gamberini’s work incorporates the two Japanese expressions for space and nothingness: Mu and Ma. The concept of nothingness, which is closely bound up with Zen Buddhism, is deeply rooted in Japanese culture and is an integral part of everything. The concept of Mu is found in the town planning of Tokyo, where the centre is occupied by the Imperial City, the empty matrix responsible for the founding of the city and into which no one may penetrate. One of the largest megalopolises in the world grew up around this symbolically empty centre. Mu is also present in architecture. The effect of the sliding panels known as shoji and fusuma in the traditional habitat is to materialise the presence of nothingness. They are opened and closed according to the season or the occasion, to join or divide rooms and to merge with a natural, built and codified landscape.

Il lavoro di Gianluca incorpora le due espressioni giapponesi per lo spazio e il nulla: Mu e Ma. Il concetto del nulla, che è strettamente connesso con il Buddismo Zen, è profondamente radicato nella cultura giapponese ed è parte integrante del tutto. Il concetto di Mu si trova nell’urbanistica di Tokyo, dove il centro è occupato dalla città imperiale, la matrice vuota responsabile della Fondazione della città e in cui nessuno può penetrare. Una delle più grandi megalopoli nel mondo è cresciuta intorno a questo centro simbolicamente vuoto. MU è presente anche in architettura. L’effetto dei pannelli scorrevoli conosciuto come shoji e fusuma negli habitat tradizionali serve a materializzare la presenza del nulla. Esse vengono aperte e chiuse secondo la stagione o l’occasione, per unire o dividere le camere e per fondersi con un naturale, costruito e codificato paesaggio.

The construction of nothingness is ubiquitous in all the Japanese arts: it is to be found for example in flower arranging (ikebana), calligraphy, and cooking. Mu is the art of living in harmony with nothingness; it gives breathing space to any work of art. Ma, on the other hand, is the ‘in-between’ space, an idea of the interstice between nothing and everything, between nothingness and that which is. Ma designates the interval, the space that joins. It covers the idea of keeping a certain distance between bodies, the right distance for example in martial arts or in the ritual of greeting. It represents the distance necessary for two bodies to operate in space.It symbolises the two matching qualities of union and harmony.

La costruzione del nulla è onnipresente in tutte le arti giapponesi: essa si trova per esempio nell’arte della disposizione dei fiori recisi (ikebana), nella calligrafia e nella cottura. MU è l’arte di vivere in armonia con il nulla; dà respiro a qualsiasi opera d’arte. Ma, d’altra parte, è lo spazio ‘intermedio’, un’idea dell’interstizio tra niente e tutto, tra nulla e ciò che è. Designa l’intervallo, lo spazio che unisce. Esso copre l’idea di mantenere una certa distanza tra i corpi, la giusta distanza per esempio nelle arti marziali o nel rituale del saluto. Esso rappresenta la distanza necessaria per due corpi di operare nello spazio. Simboleggia le due corrispondenti qualità di Unione e Armonia.

Mu is present in Gianluca Gamberini’s decision to explore a particular territory in the manner of a situationist dérive (drift). His area of operation is marked out by the Yamamote underground railway line, which runs round the primordial urban void of the Imperial Palace. Ma, on the other hand, is present in his choice of subject, the interstice as an axis of dissymmetry. With this theme he has been able to create a series of urban portraits based on dyads juxtaposing opposite and complementary principles in neighbour pairs.

MU è presente nella decisione di Gianluca Gamberini di esplorare un territorio particolare alla maniera di un situazionalista dérive (derivato). La zona di operazione è segnata dalla linea ferroviaria metropolitana Yamamote, che corre intorno il vuoto urbano primordiale del Palazzo imperiale. Ma, d’altra parte, è presente nella sua scelta del soggetto, l’interstizio come un asse di asimmetria. Con questo tema è stato in grado di creare una serie di ritratti urbani basati su diadi, giustapponendo principi opposti e complementari in coppie vicine.

In Tokyo, the roads are made up of houses that are very close together but do not touch. They are separated by a gap that acts as air space and anti-earthquake expansion joint. These strangely designed party walls give rise to a host of obscure interstices used for such purposes as ventilation, air conditioning or for housing cables. And yet the gap between each building links the often very different personalities and backgrounds of the invisible occupants who live there at such surprisingly close quarters.

A Tokyo, le strade sono costituite da case che sono molto vicine tra loro, ma non toccano. Esse sono separate da un divario che funge da spazio aereo e come giunto di dilatazione anti-terremoto. Queste mura stranamente progettate danno origine ad una miriade di interstizi oscuri utilizzati per scopi come ventilazione, aria condizionata o per alloggiamento cavi. Eppure il divario tra ogni edificio collega personalità spesso molto diverse così come fanno da sfondo agli occupanti invisibili che vivono in questi quartieri sorprendentemente chiusi.

Maxime Delvaux

Maxime Delvaux is a a belgian advertising and architecture photographer based in Brussels.

www.maximedelvaux.com

 

All images copyright Maxime Delvaux – Published with permission of the author

I quote a text written by Mikhail Kissine: “Truthfulness is what one expects from photographs about North Korea. However, there are many truths in North Korea: not in the murky post-modern sense that there are no facts to be shown, but because of the severe limitations on what one is, literally and prosaically, allowed to see. So, how can representations of grandiose decoys, representations whose very angle seems constrained by secretive officialdom, fulfill our longing for a glance at the horrors of a totalitarian regime? Shouldn’t we rather prefer a furtive glimpse of the terror unfolding behind the scenes?

Riporto un testo di Mikhail Kissine: ‘Veridicità’ è ciò che ci si aspetta di vedere in fotografie della Corea del Nord. Tuttavia, vi sono molte verità in Corea del Nord: non nel senso torbido e postmoderno del termine in cui non ci sono fatti da essere mostrati, ma a causa delle gravi limitazioni su ciò che è, letteralmente e prosaicamente, permesso di vedere. Così, come possono le rappresentazioni di grandiosi dispositivi finti, rappresentazioni vincolate dalla burocrazia reticente, realizzare il nostro desiderio di guardare gli orrori di un regime totalitario? Non dovremmo piuttosto preferire uno sguardo furtivo del terrore che si sta svolgendo dietro le quinte?

We should not. Catching from the corner of the eye the sight of what might be a hungry child isn’t necessary to understand the madness of the regime. The few people in the surrounding emptiness give the scale of the buildings; the sober explanations, provided by the regime itself, give the scale of the folly. We don’t need to be told that the cooperative shop isn’t available to a starving population: one should be scared of a regime that builds to foul visitors. What Maxime Delvaux’s photos show is very real. Sufficiently real, indeed, to gently distillate a disturbing feeling, where the nauseating vertigo of some of the Borge’s Fictions mixes up with a genuinely Orwellian fear.

No, non dovremmo. Catturare dall’angolo dell’occhio l’immagine di quello che potrebbe essere un bambino affamato non è necessario per capire la follia del regime. Le poche persone nel vuoto circostante danno la scala degli edifici; le spiegazioni sobrie fornite dal regime stesso, danno la scala della follia. Non abbiamo bisogno di dire che i negozi non sono disponibili per una popolazione affamata: dovremmo essere spaventati da un regime che costruisce per ripugnare i visitatori. Ciò che viene mostrato dalle fotografie di Maxime Delvaux è molto reale. Sufficientemente vero, infatti, da distillare delicatamente una sensazione inquietante, dove la vertigine nauseante di alcuni romanzi di Borge si mescola con una paura sinceramente orwelliana.

Social psychologists recently found that Western educated people tend to underestimate the extent to which they are influenced by irrational conspiracy theories. Propaganda works insidiously, or else it would be useless. So, if at first you only feel slightly amused, if it takes you a while to understand what it means for a country to display this, it’s all right. This is what these photos are for.”

Gli psicologi sociali hanno recentemente scoperto che le persone educate all’occidentale tendono a sottovalutare l’entità della loro influenza alle teorie di cospirazione irrazionale. La propaganda funziona insidiosamente, altrimenti sarebbe inutile. Quindi, se all’inizio ti senti solo leggermente divertito, se ti serve un po’ per capire che cosa significa per un paese visualizzare tutto questo, è tutto a posto. E’ proprio a questo che servono queste foto.”

Gabriele Croppi

Gabriele Croppi was born in Domodossola (Italy) in 1974. He now lives and work in Milan.

www.gabrielecroppi.com

 

Current and future exhibitions of the artist:

Paris, 09/2012, Fundaçao Calouste, EUROPEAN PHOTO EXHIBITION AWARD
Lucca, 11/2012, FBML, EUROPEAN PHOTO EXHIBITION AWARD

Oslo, 04/2013, The Freedom of Expression Foundation, EUROPEAN PHOTO EXHIBITION AWARD

 

All Images Copyright © Gabriele Croppi – Published with permission of the author.

I quote the author: “(…) What interests me is the effect of the methaphysical in our thoughts and on our approach to life. This, in art as well as in photography, means going beyond, it means (that) the meaning and deep essence don’t stop with what we see. I have interpreted urban scenes of some Metropolis, with their obvious architectural, sociological and cultural differences, but with the firm objective to give back to the final image that specific “methaphysical dimension”. I would like to state that the result and contents of my research will not end in the images in which my project is embodied but in the way we could all look at them, filtering them with our subjectivity, with our cultural background, with all the questions, doubts, imagination which follow. The last aim of my artistic research is not that of supplying simple answers to the European Identity theme, but that of becoming aware of the complexity of metaphysical origin, which unites us in our European approach to both art and life. (…)”

Riporto le parole dell’autore: “(…) Ciò che mi interessa, sono gli effetti della metafisica nel nostro pensiero di europei, nel nostro approccio alla vita. Mi interessa la predisposizione al superamento delle apparenze. E questo in arte, in fotografia, significa “andare oltre” i confini fisici dell’opera stessa. Significa riconoscere che il significato non si esaurisce in ciò che vediamo. (…) Ho intrepretato gli scenari urbani di alcune grandi città europee, con le loro evidenti differenze architettoniche, sociologiche e culturali; ma con il fermo obiettivo di restituire alle immagini finali, quella “dimensione metafisica” che ho tentato di introdurre poco fa. Il risultato e i contenuti di questa ricerca non sono esclusivamente racchiusi nelle immagini in cui si concretizza il progetto, ma nel modo in cui tutti noi potremo guardarle, completarle, interpretarle filtrandole con la nostra soggettività, con il nostro background culturale, e con tutte le domande, i dubbi, le fantasie che ne conseguono. Il fine ultimo del mio lavoro non è quello di fornire semplicistiche risposte alla questione che ci siamo posti (l’identità europea), ma è quello di prendere coscienza della complessità interpretativa, di origine metafisica, che ci accomuna nel nostro approccio all’arte e alla vita. (…)”

 

 

Yves Marchard & Romain Meffre

Yves Marchard & Romain Meffre (born in 1981 and 1987) both grew up in the Paris area. They are represented by TRISTAN HOARE Ltd in London, POLKA GALLERY in Paris and GUN GALLERY in Stockholm.

www.marchandmeffre.com

 

All Images Copiright © Yves Marchard & Romain Meffre – Published with permission of the authors.

The authors explain: “Ruins are the visible symbols and landmarks of our societies and their changes, small pieces of history in suspension. The state of ruin is essentially a temporary situation that happens at some point, the volatile result of change of era and the fall of empires. This fragility, the time elapsed but even so running fast, lead us to watch them one very last time: being dismayed, or admire, making us wondering about the permanence of things. Photography appeared to us as a modest way to keep a little bit of this ephemeral state”.

Gli autori introducono così il loro progetto: “Le rovine sono simboli e punti di riferimento visibili della nostra società e dei suoi cambiamenti, sono come piccoli pezzi di storia sospesa. Lo stato di rovina è essenzialmente una situazione temporanea che avviene in quelche momento, risultato volatile di un cambiamento e della caduta di un impero. Questa fragilità, il tempo trascorso e volato così velocemente, ci permettono di guardare per un’ultima volta con costernazione od ammirazione, meravigliandoci sulla permanenza delle cose. La fotografia ci è parsa come una modo modesto per catturare un po’ di questo stato effimero.

At the beginning of the XXth Century, with the invention of assembly line, Detroit rose as the car capital of the world, becoming the 4th most important city in USA. Motor City literally produced what would forever become the economic, industrial and urban model of our modern societies. But from the 50’s, desindustrialisation and suburbanisation, segregation, social tension, disinvestment turned Motor city into ruin. Detroit went from 2 millions to 900 000 inhabitants. Thus within even 50 years Detroit, one of the richest city, fell from grace to became the most ruined city in the entire western world.”

All’inizio del XX secolo, con l’invenzione della linea di assemblaggio, Detroit divenne la capitale mondiale dell’automobile, diventando la quarta città più importante degli Stati Uniti. Detroit ha letteralmente prodotto quello che sarebbe stato per sempre il modello industriale ed economico delle nostre moderne società. Ma, dagli anni ’50, la disindustrializzazione, la costruzione delle periferie, la segregazione, le tensioni sociali ed il disinvestimento hanno trasformato Detroit in una rovina. La città passò da 2 milioni di abitanti a 900000. Così, in 50 anni, Detroit, una delle città più ricche del mondo, è caduta in disgrazia ed è diventata la rovina più grande di tutto l’occidente.”

Peter Bialobrzeski

Peter Bialobrzeski was born in Wolfsburg, Germany. Since 2002 Peter is a regular Professor for photography at the University of the Arts in Bremen, Germany. He is represented by LAURENCE MILLER GALLERY in New York, LA GALERIE in Frankfurt/Germany and also shows with ROBERT MORAT GALLERY in his hometown Hamburg, as well as at M97 GALLERY in Shanghai.

www.bialobrzeski.de

 

“Paris Photo” is coming…meanwhile don’t miss:
MEGALOPOLIS / URBAN CHANGING that will be exhibited at:

Ecole nationale supérieure d’architecture – Paris-Val de Seine

26 october 2012 – 5 december 2012
From Monday to Saturday : 11 h – 19 h
Free entry

 

This project is called “Nail Houses”, I quote the author: “The photographs show houses on the verge of demolition to create space for new appartment house developments. This typology photographed in the middle of the night, show that all the ruins are still inhabited, according to that one last light that is shimmering through the windows or the doorsteps. The series appreciates the urge for people to hang on to their original homes.

Il titolo di questo progetto è “Case Chiodo”, riporto la descrizione dell’autore: “Il fotografo ci mostra immagini di case che si trovano sull’orlo della demolizione per creare spazio a nuovi grandi edifici abitativi. Le foto di questa tipologia di case, fotografata nel mezzo della notte, mostrano che tutte le rovine sono ancora abitate, dato che un’ultima luce luccicante attraversa le finestre o le porte di casa. La serie vuole mostrare lo stimolo delle persone ad aggrapparsi alle loro case originali.”

 

All images copyright © Peter Bialobrzeski

Marcus Koppen

Marcus Koppen was born in Minden, Germany, 1973. He settled in 2003 in Amsterdam. He is represented by Foam Gallery in Amsterdam.

www.marcuskoppen.com

 

Marcus Koppen’s photographs seem to come straight from the future. Nowadays seems that we seldom realize how awsome are some buildings and landmarks the man has built. The author documents the big transformations of some cities, most specially in Asia. He studies the way in which they are growing and how they evolve revolutioning themselves in only a few years. I don’t get the feeling that he is making a complaint about the unsustainability derived from this growth. Instead I believe his message is that of fascination for these modern cathedrals…you cannot blame him! Enjoy.

Le fotografie di Marcus Koppen sembrano provenire direttamente dal futuro. Raramente ci rendiamo conto di quanto incredibili siano le opere architettoniche che l’uomo è arrivato a costruire. L’autore documenta i grandi cambiamenti delle metropoli del mondo, in particolare quelle asiatiche, il modo in cui crescono e si evolvono rivoluzionando se stesse in pochissimi anni. Non credo nelle sue intenzioni ci sia la volontà di denunciare l’insostenibilità di questa crescita, più che altro penso che lo scopo sia quello di lasciarsi affascinare da queste enormi cattedrali moderme. Impossibile dargli torto….enjoy.

 

All Images Copyright © Marcus Koppen – Published with permission of the author.

Gianluca Gamberini

Gianluca Gamberini was born in Bologna in the late 1970’s. He now lives in Paris.

www.gianlucagamberini.com

 

Gianluca Gamberini has studied and worked for a period of time at the Cinecittà film studios in Rome. His images I am presenting to you today are somehow the documentation of a very important piece of Italian history which unfortunately will not be there much longer. The studios situated at via Tuscolana were built during the fascism in 1937 and represented the turning point for the Italian cinema industry. Over the last few years with the intensification of the digital shooting, a big part of these installations became underutilized or somewhat obsolete. To make things even worse, the real state and construction industries have been pushing hard to take over the vast lands of Cinecittà to build yet another block of apartment buildings or, even more sadly, another shopping center. Under these premises, the images of Gianluca acquire a strong nostalgic taste which is quite ironic given that we are talking here about structures that were precisely created to be built up to then be immediatly  built down after the use. According to me, these ephemeral structures deserve to be praised and handled just like the ancient ruins; I guess Gamberini images are a first step in that direction. Happy viewing.

Gianluca Gamberini ha studiato e lavorato per diversi anni all’interno degli studios di Cinecittà e le immagini che vi presento oggi sono la documentazione di un’importante pezzo di storia che probabilmente verrà a mancare. Gli studios situati lungo la via Tuscolana sono nati nel 1937 durante il fascismo e costituiscono il vertice dell’industria cinematografica italiana. Negli ultimi anni a causa della sempre maggiore digitalizzazione delle riprese, gran parte di essi è caduto in disuso. A minacciare la loro scomparsa c’è poi il settore edilizio, interessato a sottrarne i terreni per costruire gli ennesimi blocchi di appartamenti e centri commerciali. Con questi presupposti le immagini di Gamberini prendono un forte sapore di nostalgia…ironico, poiché nei fatti l’autore ci sta raccontando di realtà temporanee per definizione, di set che si montano e smontano a seconda dell’occasione. Ai miei occhi appaiono già come rovine antiche che meritano di essere conservate, e queste bellisime immagini fortunatamente, sono già un primo passo in quella direzione. Enjoy.

 

All Images Copyright © Gianluca Gamberini – Published with permission of the author.

Luigi Ghirri

Luigi Ghirri was born in Scandiano in 1943 and died in Roncocesi in 1992.

 

Luigi Ghirri, who passed away already twenty years ago, is still today one of the most appreciated Italian contemporary artists. He was not only a photographer but in general a big man of culture. His bibliography is quite extensive; his first texts on photography date back to 1973 and have been put toghether with many other texts of his (articles, introduction to his photographic shows, etc) in a book called Niente di antico sotto il sole (Nothing ancient under the sun) (1997). Ghirri had a very special sensitivity when it came to talk about the human being and his surroundings. In a text of 1984 he affirms “Beyond the description and ilustration purpose of photography, it is a way of observing and depicting places, objects, the faces of our time; but not just to define and classify them, but to discover and construct immages which then become new possibilities of perception”. In regards to his immages, his landscapes are sort of floating in the air, not realistic, kind of methaphysic, lacking the physical human presence but not the effect of human intervention. He left behind a huge legacy of poetic immages and a hefty documentation of the Emilia Romagna, the Pianura Padana and of Italy as a whole. Ghirri was definitely an avanguard artist, one of the few Italians from the 70’s and the 80’s who was up there at the same pace and speed with the most meaninful artistic American and European currents. Today many people is shooting under his style and under his inspiration (conscious or unconsciously). Today I felt like making a small tribute to this great Italian artist. Enjoy!

PS Next week is the opening of the “Les Rencontres d’Arles” (at Arles, Provence, France), one of the greatest photographic events of the year worldwide. Luckily I will be there, hope to see you there as well!

Luigi Ghirri, scomparso ormai da venti anni, rimane tuttoggi uno degli artisti italiani più stimati. Non è stato solo un fotografo, ma anche un grande uomo di cultura. La sua bibliografia è molto lunga; i suoi primi scritti sulla fotografia risalgono al 1973 e sono raccolti insieme a tutti gli altri redatti come introduzioni ai suoi lavori fotografici, presentazioni di mostre ed articoli su quotidiani nel bel libro Niente di antico sotto il sole, Ed. SEI 1997. Aveva una sensibilità molto particolare nel trattare il tema del rapporto tra uomo e ambiente che lo circonda. In uno scritto del 1984 afferma: “Al di là degli intenti descrittivi ed illustrativi, la fotografia si configura così come un metodo per guardare e raffigurare i luoghi, gli oggetti, i volti del nostro tempo, non per catalogarli o definirli, ma per scoprire e costruire immagini che siano nuove possibilità di percezione”. Per quanto riguarda le sue fotografie invece, i suoi paesaggi sono quasi sempre sospesi, non realistici, per certi versi metafisici, spesso privi di figure umane ma mai privi dell’intervento dell’uomo sul paesaggio. Ci ha lasciato in eredità una meravigliosa poetica dell’immagine e una corposa documentazione della sua Emilia Romagna, sulla Pianura Padana e sull’Italia tutta. Ghirri è stato un artista all’avanguardia, uno dei pochi italiani che negli anni ‘70 e ’80 è stato al passo con le più vaste e ‘libere’ correnti artistiche europee e americane. Oggi sono tanti a fotografare sotto l’ispirazione del suo grande lavoro, e voglio anche io oggi rendergli un piccolo omaggio.

 

PS: Vi ricordo che la prossima settimana inizia “Les Rencontres d’Arles”, ad Arle, (Provenza – Francia). E’ il festival della fotografia più importante d’Europa, io ci sarò, spero di incorntrarvi là…

 

All Images Copyright © Luigi Ghirri

Olivo Barbieri

Olivo Barbieri was born in Carpi in 1954. He is an Italian artist and photographer of urban environments. He is represented by the Yancey Richardson Gallery of New York.

www.olivobarbieri.it

For those in Italy until July 28th, I strongly reccomend not to miss the opportunity to visit the beautiful exhibition of the artist at the Galleria Massimo Minini at Brescia.

Fino al 28 luglio, consiglio a chi si trova in Italia, di andare a vedere la bellissima esposizione dell’artista alla Galleria Massimo Minini di Brescia.

 

Since the end of the 70’s with his project “Flipper” (Pinball machines), Olivo Barbieri has been considered worldwide as one of the great and most innovative Italian contemporary photographers. Amongst many other things, he was one of the ones to start working with the aerial tilt-shift technique, one that gives the impression of being watching miniatures as oppossed to real life, large scale landscapes. This technique simulates the effect of the depth of field of the macro photography. By tilting the lens angle respective to the rear surface of the camera you creat a gradual defocusing in the edges of the picture. Barbieri has used this technique to photograph more than 30 cities or places all over the world. His research focuses on the topic of virtual versus real, of vision versus representation, of mutating versus static nature of the places. On his own words: “I believe places are always being modified, always changing form, always changing dimensional relations. This gives the hope to always learn or realize that in that place there might be much more or very different than what we saw before, there is always something else…The different experiences I have lived have made me understand there is different ways of living, of building cities, of planning our way of spending our time on earth. We have always considered the world as something definite, that has always been, that will always be. I have understood it is not so”. Today I am proudly featuring Barbieri’s “site specific_JORDAN 04”. Enjoy!

Sin dalla fine degli anni ’70 con il progetto “Flipper”, Olivo Barbieri è stato e continua ad essere uno dei più innovativi fotografi contemporanei italiani, che con le sue opere ha ampiamente svalicato i confini nazionali. Successivamente, è stato il primo ad incentrare una ricerca sui “tilt and shift” aerei, una tecnica fotografica che ritrae paesaggi reali dall’alto facendoli apparire come plastici o miniature. Questa tecnica simula la profondità di campo della fotografia macro: si inclina l’angolo della lente sul piano posteriore della fotocamera e si crea così una sfocatura graduale nella parte superiore e nei bordi inferiori (o nei bordi sinistro e destro) dell’immagine ripresa. Barbieri ha fotografato con questa tecnica più di trenta città o luoghi del mondo. La sua ricerca si concentra sui temi del reale e del virtuale, della visione e della rappresentazione, della staticità e della mutevolezza dei luoghi. E’ l’autore stesso che ci dice: “Credo che i luoghi si modifichino, cambino di forma, cambino i rapporti dimensionali. Questo dà la speranza di imparare ancora, di vedere che in quel luogo, effettivamente, non c’è tutto quello che credevi ci fosse, ma c’è anche altro. (…) Le diverse esperienze vissute mi hanno portato a capire che ci sono diversi modi di vivere, di costruire città, di progettare un modo di stare sulla terra. Noi abbiamo sempre creduto che il mondo fosse definitivo, che ci fosse sempre stato e che sempre ci sarà. Ho capito che non è vero”. Oggi ripropongo qui “site specific_JORDAN 04”. Enjoy

 

All Images Copyright © Olivo Barbieri – Published with permission of the author

Alban Lécuyer

Alban Lécuyer was born in 1977 in Paris. He’s represented by WALL30 Gallery.

www.albanlecuyer.weebly.com

 

Can contemporary cities project themselves in some sort of tangible future? Are places transformed in conformity with the architects plans and with the artists visions destined to promote luxury housing projects? The computer-generated images posted on construction sites have inherited their codes from marketing strategies. It is not just about one product being sold but also about the promise that a newly invented architecture or a new traffic plan can give birth to a new city with few vehicles and few pets, with mainly white, female and fair-haired people moving about in a ‘capsular’ 1 society in which architecture has brought about its own isolated environment, circumscribed to the sole limits of a building or the portion of a road. Contrasts are light, and shadows, which are the symbols of doubt and uncertainty, reduced to a minimum. All there is between the spectator and the project – trees, vehicles, passers-by and so on – are shown in transparency. It is a valueless representation of reality with no dead angles and where people seem partially away from the set. The HERE SOON series offer to transpose an actual everyday place and an ordinary way of living in the city into the aesthetics of those stylized perspectives. The images show graffiti on walls, clothes or satellite dishes on windowsills, abandoned objects on pavements, worn out spaces – all of which indicate that civilizations produce traces and leave footprints on the spaces that they occupy. (…) The HERE SOON series point implicitly at the commonplace statements of a disembodied and dispirited architecture which is more and more cut out from the spaces in which it supposed to take place.

Le città contemporanee possono proiettarsi in una sorta di futuro tangibile? I piani degli architetti con le visioni degli artisti, sono davvero destinati a promuovere progetti abitativi di lusso? Le immagini generate dai computer e pubblicate sui siti di costruzione, hanno ereditato i loro codici da strategie di marketing. Non si tratta solo di un prodotto venduto, ma anche della promessa che un’architettura appena inventata od un nuovo piano stradale possa dar vita ad una nuova città con pochi veicoli e pochi animali domestici, con persone prevalentemente bianche, donne e bionde, che si muovono in una  società ‘capsula’ in cui l’architettura ha portato il proprio ambiente isolato, circoscritto ai limiti di un edificio unico o della porzione di una strada. Le luci e le ombre, simboli di dubbio e incertezza, sono ridotti al minimo. Tutto quello che c’è tra lo spettatore e il progetto – alberi, veicoli, passanti e così via – è mostrato in trasparenza. È una rappresentazione non significativa della realtà, senza angoli morti, e dove le persone sembrano parzialmente lontane dal set. La serie HEERE SOON (Qui Presto) offre di trasporre un luogo reale di tutti i giorni ed un ordinario modo di vivere in città, nell’estetica di quelle prospettive stilizzate. Le immagini mostrano i graffiti sui muri, vestiti o antenne paraboliche sui davanzali, oggetti abbandonati sui marciapiedi, spazi usurati – i quali indicano che la civiltà produce tracce e lascia impronte sugli spazi che occupa. (…) La serie HERE SOON punta a mostrare un’architettura disincarnata e scoraggiata, che è sempre più tagliata fuori dagli spazi in cui suppone di prendere posto.

 

All Images Copyright © Alban Lécuyer – Published with permission of the author.