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portraits

Tania (Venice, 1986) and Lazlo (Verona, 1984) live and work in Venice, Italy.

Their artworks, a fusion of photography, cinema, performance and installation, are the synthesis of their professional experiences that enable them to be completely autonomous in the execution of artworks related to the world of Staged Photography: from the integral making of sets, dresses and interpretation of the characters, to lighting, shots and post-production.

www.tanialazlo.com

Current and future exhibition:

TABULA RASA – Metamorfosi per una rinascita
curated by Stefano Cecchetto
Museo del Paesaggio, Torre di Mosto (VE)
from September 14 to November 30 – 2013

 

TRASCRIZIONI SUL CORPO
curated by Simona Caramia
Galleria Peccolo, Livorno
from November 30 – 2013 to January 7 – 2014

 

All Images Copyright © Tania Brassesco & Lazlo Passi Norberto – published with permission of the authors

 

PHOTOGRAPHY INTERPRETING DECADENCE’S PAINTING. Text by Anna Giulia Volpato

 

DAYDREAM--srgbWhen it was born, in January 1839, photography could not have imagined that its ambiguous relationship to painting would soon give rise to the war of image. The first results of this new expressive medium, of which the only practical function was seen as vulgar by many, could not break the intellectual wall created by the figurative arts: photography took its first steps as the “humblest servant” of sciences and arts.

All’epoca della sua nascita, nel gennaio 1839, la fotografia non poteva immaginare che la sua ambigua parentela con la pittura avrebbe ben presto scatenato la Guerra per l’immagine. I primi frutti del nuovo mezzo linguistico, la cui unica funzione pratica era da molti reputata volgare, non potevano oltrepassare la barriera intellettuale innalzata dall’arte figurativa: la fotografia mosse i suoi primi passi da “serva umilissima” delle scienze e delle arti.

MORFINA-srgbAmong the various means overcoming status, the provocative experience of Pictorialism tried to free the young girl made from albumin and colloid forced to clean the floors of the major arts. Hence some photographers dressed their models in order to evoke Flemish and Roman scenes, making ephebic and languid nudes eternal, exploring a new language. 

Tra i vari atteggiamenti di riscatto, la provocatoria esperienza del pictorialism si propose di liberare quella fanciulla fatta di albumina e collodio costretta a spazzare i pavimenti delle arti maggiori. Così alcuni fotografi travestirono i loro modelli evocando scene fiamminghe e romane, immortalando efebici e languidi corpi nudi, esplorando un nuovo linguaggio.

SEATED-WOMAN-FROM-BEHIND-srgbThis photographic project cannot and should not be related to those remote struggles; today photography lives serving the creative spirit, proving to be something more than memory’s sturdy appendix. Every shot comes from the synthesis of the formative path of two young artists that are longingly dedicated to painting, scenography, photography and cinema.

Questo progetto fotografico non può e non deve essere messo in connessione con quei lontani diverbi; la fotografia vive ora al servizio dello spirito creativo, dimostrando di non essere solo una robusta appendice della memoria. Ogni scatto nasce dalla sintesi del percorso formativo dei due giovani artisti impegnati da tempo nella pittura, nella scenografia, nella fotografia e nel cinema.


MUSIC-srgbThe colours and atmospheres of fin de siècle paintings are renewed through the strong colours of the contemporary interpretations, thus colliding with the eyes of a déjà-vu engaged observer.

I colori e le atmosfere dei dipinti della fin de siècle si rinnovano attraverso le tinte forti delle interpretazioni contemporanee, facendo stridere gli occhi dell’osservatore coinvolto in continui déjà vu.

POT-POURRI-srgbThe images are a result of hard work, from the realization of scenographies to the cleverly composed shots worked out in every phase, to the interpretation of those beauties that seem little by little to consume themselves because of a mysterious illness of the soul… Photography is the same fatal woman portrayed in Klimt’s, Shiele’s and Casas’ paintings, the reflection on the retina of a humanity drowned in an uncertain condition.

Le opere sono figlie di un immenso lavoro, dalla realizzazione delle scenografie, agli scatti sapientemente elaborati in tutte le loro fasi, all’interpretazione di quelle bellezze che paiono consumarsi a poco a poco per una misteriosa malattia dell’animo… La fotografia è la stessa donna fatale ritratta nei dipinti di Klimt, Schiele e Casas, il riflesso nella retina di un’umanità immersa in una condizione incerta.

SEATED-WOMAN-WITH-BENT-KNEE-srgbThe images, the offspring of the research of  lost time, reveal the “panic for the inevitable deception that enmeshes our lives, the total ruinous fall in this terrible condition” (Auerbach) that is renewed in the silence of the contemporary shots. In a time of political and cultural crisis, the dusty atmosphere of the atelier transforms itself into the glossy patina of the photograph without losing the sensation of the cliff from which the artist inevitably falls.

Le immagini, figlie della ricerca di un tempo perduto, rivelano il “panico per l’inevitabile inganno che irretisce la nostra vita, la rovinosa totale caduta in questa terribile condizione” (Auerbach) che si rinnova nel silenzio degli scatti contemporanei. In un’epoca di crisi culturale e politica, l’ambiente polveroso dell’atelier decadente si trasforma nella patina lucida della fotografia senza smarrire la sensazione del precipizio in cui l’artista viene irrimediabilmente gettato.

THE-BLACK-HAT-srgb
The melancholy of a look lost in another dimension, the boredom, the spleen evoked in the works reveal the sensitivity of new artistic means which were being questioned and discussed at the time when these paintings were being realized. The immortality of Schiele’s models, the bitter mystery of Klimt’s women, the enigmatic muses of minor artists live again in a new form touching with their sighs the contemporary image.
La malinconia degli sguardi persi in un’altra dimensione, il tedio, lo spleen rievocati in queste opere svelano la sensibilità dei nuovi mezzi artistici così dubitata e discussa proprio negli anni in cui gli stessi quadri venivano dipinti. L’immortalità delle modelle di Schiele, il mistero amaro delle donne di Klimt, le enigmatiche muse di artisti di minor fama rivivono in una nuova forma impressionando i loro sospiri nell’immagine contemporanea.

Kamil Vojnar was born in the former Czechoslovakia in 1962. He now lives in Venice, California. He is represented by DOWN TO ART in Belgium, VERVE GALLERY in Santa Fe – USA, WALL SPACE GALLERY in Santa Barbara – USA and GALERIE BMG in Woodstock – USA.

www.kamilvojnar.com

 

Next exhibition of the artist: December 7 – January 16 at the OPEN SHUTTER GALLERY in Durango, CO – USA.

 

All Images Copiright © Kamil Vojnar – Published with permission of the author.

I quote a little paragraph written by the artist for the Dutch magazine EYEMAZING, in fall of 2010: “I make only small pictures, no big deal. Small, honest statements about the state of my soul. Why should you care anyway? There are plenty of pictures, anywhere you go. Every time you turn the corner there are pictures, every time you turn to the next page…more pictures. New pictures, old pictures, new pictures just like old pictures. Fresh, cool, hot, dated, contemporary, antiquated. (…) I photograph your face. I move your arm. And, I don’t know why. I print my pictures, I cut them, glue, paint, scratch, glue again, paint again. I don’t know why…”

Riporto una piccola parte da un testo scritto dall’autore per la rivista olandese EYEMAZING: “Creo solo piccole immagini, nessun grande affare. Piccole, oneste dichiarazioni sullo stato della mia anima. Ad ogni modo, perché ti dovrebbe interessare? Ci sono un sacco di immagini, ovunque tu vada. Ogni volta che giri l’angolo ci sono immagini, ogni volta che accedi alla pagina successiva… più foto. Nuove foto, vecchie immagini, nuove immagini come le vecchie immagini. Fresche, fredde, calde, datate, contemporanee, antiquate. (…) Fotografo il tuo viso. Sposto il tuo braccio. E, non so perché. Stampo le mie immagini, le taglio, colla, vernice, graffi, incollo di nuovo, dipingo ancora. Non so perché…”

Justyna Neryng was born in Chelmsko, Poland in 1981. She now lives and work in Brighton, England.

www.justynaneryng.co.uk

 

Justyna Neryng’s work is all about portraits. Her characters have a little bit of a “shady” personality, a bit of a “dark” look. I don’t know the personal story of the photographer but somehow I have the feeling that in a way she is letting us see a bit of her own dark side, as if it was her trademark. There are photographers who want to remain as objective as possible with regards to the subjects they are phtographing and the consequent result of their work; Justyna is certainly not one of those. Quite the opposite, what I read in her pictures is a strong prevalence of her own vision, as if all these pictures were selfportraits of herself in different bodies. The first ones are my two very favorite ones, I find them just splendid. Enjoy.

Il lavoro fotografico di Justyna Neryng gira tutto intorno al ritratto. I suoi soggetti hanno un carattere un po’ ombroso, un’estetica un po’ dark; io non conosco la storia personale dell’autrice, ma ho come l’impressione che ella volutamente lasci trasparire quella parte ‘scura’ di sé, quasi come se quello fosse il suo ‘marchio di fabbrica’. Ci sono autori che cercano di rimanere i più oggettivi possibili rispetto ai loro soggetti e rispetto all’opera finita, Justyna non è tra questi. Al contrario, ciò che leggo nelle sue foto, è proprio una forte prevalenza della sua visione, come se tutti questi che vedete fossero autoritratti di lei stessa con corpi differenti. Le prime due sono quelle che preferisco in assoluto, le trovo bellissime. Enjoy.

 

All Images Copyright © Justyna Neryng – Published with permission of the author.

Julia Johanna Dorothee Krahn was born in Juelich, Germany and now lives and works in Milan. She is represented by ANTONELLA CATTANI CONTEMPORARY ART, CARLOTTA TESTORI STUDIO, VOICEGALLERY and GALERIA PATRICIA CONDE.

www.juliakrahn.com

 

The work of Julia Krahn quests for the permeability of the sight between the artist’s and the observer’s identity. Daily objects, symbols, traces of the past are here redefined through the photographic images. Her works are therefore characterized by a fluid ambiguity: the artist is interested on crystallizing the fragments of a secret and real private and transforming it from a liquid to a solid state, more than just narrating a story or reporting the passing of time. The artist research reflects upon lost and unbalanced values in society, family, and religion up to pointing her camera on images that recalls Christian icons. She creates images that underline the contrast with traditional symbols and works on the inner conflicts staging pairs of opposites, at times making self portraits with the automatic shutter release using her own body. In Krahn’s work importance is equally given to image and format on a range of work that is developed on different scales and supports creating an overall feeling that, from time to time, drives the observer in new perceptions of the  image. Her giant wallpapers with all the strength of an image without supports, glass or frames overbear the observer, physically overlook him, acquiring pictorial features that like big frescos breaks the distance between the observer and the ambient. At the same time the artist combines the space with small unique pieces as the metal frame cammeos which to the contrary of the wallpapers set up a face to face dialogue with the viewer involving him with the preciousness of the object and of its perception. Likewise memories is a series of photo/object mounted on a thick acrylic glass which acts as lens to the image leading the mind to the dimension of the souvenirs. In this context the artist inserts also more classical formats as framed pictures realized with more traditional supports. Enjoy.

Il lavoro di Julia Krahn si interroga sulla permeabilità dello sguardo tra identità dell’artista e dello spettatore. Gli oggetti quotidiani, i simboli, le tracce del passato sono così ridefiniti attraverso l’immagine fotografica in opere che si caratterizzano in questo senso per una fluidità ambigua: più che il racconto dello scorrere del tempo o la costruzione di una storia, all’artista interessa cristallizzare, cioè trasformare da stato liquido a solido, i frammenti di un reale privato e segreto. La ricerca artistica della Krahn passa attraverso la riflessione sui valori perduti o sbilanciati della società, della famiglia, della religione, fino a portare l’obiettivo su immagini che riconducono alle icone Cristiane, lavorando in alcuni casi con l’autoscatto, creando immagini che sottolineano il contrasto con i simboli tradizionali e lavorando sui conflitti attraverso la messa in scena di coppie di opposti. Nell’opera della Krahn altrettanta forza che all’immagine viene data al formato dei lavori che si sviluppano su scale e supporti differenti creando un gioco che di volta in volta porta l’osservatore a una nuova percezione dell’immagine. I suoi giganti wallpaper sovrastano lo spettatore con tutta la potenza di un’immagine senza supporti, vetri o cornici, immagini che dominano fisicamente, immagini che prendono acquisiti pittorici e che, come grandi affreschi, tolgono ogni distanza tra il fruitore e l’ambiente. In uno stesso contesto lo sguardo viene poi chiamato e portato su piccoli pezzi unici: sia la volta dei cammei in cornici di metallo che stabiliscono un dialogo one to one, intimo, col fruitore, richiamandolo alla preziosità dell’oggetto e della sua percezione; o sia la volta di memories, foto/oggetti montati su uno spesso strato di plexiglas che fa da lente a immagini che riportano alla dimensione del ricordo. In questo percorso, passando anche attraverso formati più classici l’artista inserisce fotografie realizzate su supporti più tradizionali quali vere e proprie cornici che contengono l’immagine. Enjoy.

 

All Images Copyright © Julia Krahn – Published with permission of the author.

Swiss-Italian, born in 1971, educated in Italy and Switzerland, where he lives and works as graphic designer and photographer. He is represented by GALLERIA CONS ARC, SOPHIE MAREE GALLERY and GALERIE ESTHER WOERDEHOFF.

www.christiantagliavini.com

 

Christian Tagliavini is a quite versatile artist. Not only he has photographed the beautiful charachters you see below, he has also created the high quality dresses they are wearing. The artist, who describes himself as a craftsman, makes stage sets, designes tapestries…in fact he is one of those artists for which the actual taking of the picture is the very last button in the creative process. “1503” is the name of this series of evident renaissance inspiration (with a particular focus on il Bronzino paintings). The pictoric tone in photography is a quality I have always admired, as for me it shows the mastering of the technique, specially the illumination. In this case the depicted charachters did not exist, they were made up by Christian. They are product of his fantasy and they are all set in a very specific but at the same time quite vast chronological and geographical period of time. Creativity is one of Tagliavini’s trademarks in all his works. As usual I can only give my compliments and be thankful for giving us his great work. Enjoy!

Christian Tagliavini è un artista dalle molteplici capacità: non solo ha fotografato i bellissimi personaggi che vedete sotto, ma ne ha addirittura realizzato i vestiti, di qualità grafica ed artigianale indiscutibile. L’artista stesso si definisce artigiano, realizza le scenografie, disegna le tappezzerie…è uno di quegli artisti che considera lo scatto fotografico solo l’ultimo e piccolo tassello del processo creativo. “1503” è il titolo di questa serie di evidente ispirazione rinascimentale, con un particolare riguardo ai dipinti del Bronzino. La resa ‘pittorica’ nelle immagini fotografiche è una qualità che ho sempre apprezzato, segno di grande padronanza del mezzo e della luce. I soggetti delle foto non sono persone realmente esistite, ma sono personaggi di fantasia ambientati in un determitato ma vasto periodo storico ed in un luogo non ben definito dell’Europa del tempo. La creatività è un marchio fondamentale in tutte le opere dell’autore, e io come sempre non posso fare altro che complimentarmi per questo. Buona visione a tutti!

 

All Images Copyright © Christian Tagliavini – Published with permission of the author.

Michael Wolf was born in Munich, Germany. He grew up in the USA and studied at UC Berkley and at the University of Essen in Germany. He has been living and working as a photographer and author in China for ten years.

www.photomichaelwolf.com

 

The project featured today, “Tokyo compression”, has already been seen all over the world with huge success. The pictures you will see have been published in two books, “Tokyo Compression” and “Tokyo Compression Revisited“, and mentioned and featured in tenths of magazines and blogs on line. Yet it continues to be a work worth promoting both for the beauty of its images and for the fact that it is a starting point for endless discussions and reflections about the human nature. We could talk about claustrophobia, about the absurdity of the human condition, about “progress”, about Asia, about the quality of life, and about many other subjects, I quote an interesting reflection of the author himself: “These pictures represent the tragedy of the human condition. What you see is not the result of a natural disaster, but a result of human action; a horrible system for the people, from the people”.

“Tokyo Compression”, il progetto che presento oggi ha già fatto il giro del mondo riscuotendo tantissimo successo. Le foto che vedete sono state pubblicate in due libri (‘Tokyo Compression’ e ‘Tokyo Compression Revisited‘) e menzionate da decine e decine di riviste e blog on line. Nonostante ciò però, continua ad essere un lavoro che vale la pena promuovere, sia per la bellezza delle sue immagini, sia per il fatto che è un punto di partenza per tante discussioni sull’essere umano. Potremmo parlare di claustrofobia, di assurdità della condizione umana, del progresso, dell’Asia, della qualità dela vita e molto altro ancora. Quoto qui una riflessione interessante dell’autore stesso: “Queste foto rappresentano la tragedia della condizione umana. Ciò che vedete non è il risultato di una catastrofe naturale. In questo caso l’uomo è responsabile di se stesso: un orribile sistema per la gente, da parte della gente”.

 

All Images Copyright © Michael Wolf – Published with permission of the author.

Aurore Valade is a French photographer born in 1981. She is represented by Gagliardi Art System, in Turin, Italy.

www.aurore-valade.com

 

I saw this beautiful work at the “Atelier Spaces” in Arles. I quote a part of a critic text written by Maria Cristina Strati, critic and contemporary art curator based in Turin : “The project is the result of a unique, extremely accurate research and involves creating photo images to be composed according to the three genres of classical painting (portrait, interior and landscape) plus an array of other artistic and cultural references, organized according to an accurate study. The subjects are all Turin inhabitants. They are portrayed in profile, against a white background, inside their apartments. A window, or glass wall, is clearly visible on the background of each image, and through it you can glimpse a view of the city. The interiors are accurately designed by the artist, who personally chose the spaces and rearranged the furniture and objects so that the result could be adequately rendered in painting. Every photograph also contains references to current events in magazines or switched-on televisions that have legible titles, after which the work is named. As we have mentioned, every image simultaneously contains three historical-artistic genres. The first is the portrait, again in profile. Here the model for the artist are Renaissance historical paintings, first and foremost the well-known Duke of Urbino by Piero della Francesca, but also photographs from entomology and cultural anthropology treatises that blend recent trends in contemporary art (for instance certain works by Thomas Ruff). The second genre is the interior, inspired by the atmospheres of Flemish paintings. The last is the view, again containing explicit references to Renaissance art. Each image is the product of painstaking photo-montage and photo-editing, aimed at giving photography the visual feel of a classic painterly work. However, despite these radical technical interventions and remakes, the artist clearly wills her photos to retain a realistic look, adhering faithfully to the objective truth of the moment they were taken. The whole exhibiting project was conceived as a series where different types of works alternate, creating a harmonious series of objects, interiors and views.”

Ho visto questo bellissimo progetto agli “Spazi Atelier” al festival della fotografia di Arles. Riporto parte di un testo critico scritto da Maria Cristina Strati, critica e curatrice d’arte contemporanea a Torino: “Il progetto, che nasce da una ricerca originale e accuratissima, prevede la realizzazione di immagini fotografiche composte secondo tre generi della pittura classica (ritratto, interno e veduta) e una quantità di altri riferimenti artistici e culturali, ordinati secondo uno studio preciso. I soggetti sono tutti abitanti di Torino. Sono ripresi di profilo, su uno sfondo bianco, all’interno del loro appartamento. Sullo sfondo di ogni immagine campeggia una finestra o una vetrata dalla quale si scorge una vista sulla città. Gli interni sono studiati in maniera meticolosa dall’artista, che ha scelto personalmente gli spazi e ha riadattato la disposizione di mobili e oggetti al fine di un’adeguata resa pittorica del risultato. In ogni fotografia è inoltre presente un rimando all’attualità, come una rivista o una televisione accesa, in cui compaiono scritte leggibili che spesso danno il titolo al lavoro. Come si è detto, ogni immagine ha in sé allo stesso tempo tre generi storico-artistici. Il primo è il genere del ritratto, ripreso sempre di profilo. Qui l’artista prende a modello i dipinti storici di epoca rinascimentale, primo fra tutti il notissimo Duca di Urbino di Piero della Francesca, ma anche le fotografie dei trattati di etnologia e di antropologia culturale, cui si mescolano tendenze recenti dell’arte contemporanea (si pensi ad esempio ad alcuni lavori di Thomas Ruff e di Jeff Wall). Il secondo genere è l’interno, che riprende le atmosfere dei dipinti fiamminghi. L’ultimo è infine la veduta, con ancora un richiamo esplicito all’arte rinascimentale. Ogni immagine nasce da una minuziosa opera di fotomontaggio e fotoritocco, volta a dare alla fotografia le caratteristiche visive di un’opera pittorica classica. Ma, per esplicita volontà dell’artista, nonostante i decisi interventi tecnici e le rielaborazioni, le foto mantengono sempre una qualità realistica, restando fedeli alla verità oggettiva del momento effettivo della ripresa. L’intero progetto espositivo è pensato come una serie, in cui i lavori si alternano gli uni agli altri creando una teoria armonica di figure, interni e vedute.”

 

All Images Copyright © Aurore Valade – Published with permission of the author.

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