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fine art

Tania (Venice, 1986) and Lazlo (Verona, 1984) live and work in Venice, Italy.

Their artworks, a fusion of photography, cinema, performance and installation, are the synthesis of their professional experiences that enable them to be completely autonomous in the execution of artworks related to the world of Staged Photography: from the integral making of sets, dresses and interpretation of the characters, to lighting, shots and post-production.

www.tanialazlo.com

Current and future exhibition:

TABULA RASA – Metamorfosi per una rinascita
curated by Stefano Cecchetto
Museo del Paesaggio, Torre di Mosto (VE)
from September 14 to November 30 – 2013

 

TRASCRIZIONI SUL CORPO
curated by Simona Caramia
Galleria Peccolo, Livorno
from November 30 – 2013 to January 7 – 2014

 

All Images Copyright © Tania Brassesco & Lazlo Passi Norberto – published with permission of the authors

 

PHOTOGRAPHY INTERPRETING DECADENCE’S PAINTING. Text by Anna Giulia Volpato

 

DAYDREAM--srgbWhen it was born, in January 1839, photography could not have imagined that its ambiguous relationship to painting would soon give rise to the war of image. The first results of this new expressive medium, of which the only practical function was seen as vulgar by many, could not break the intellectual wall created by the figurative arts: photography took its first steps as the “humblest servant” of sciences and arts.

All’epoca della sua nascita, nel gennaio 1839, la fotografia non poteva immaginare che la sua ambigua parentela con la pittura avrebbe ben presto scatenato la Guerra per l’immagine. I primi frutti del nuovo mezzo linguistico, la cui unica funzione pratica era da molti reputata volgare, non potevano oltrepassare la barriera intellettuale innalzata dall’arte figurativa: la fotografia mosse i suoi primi passi da “serva umilissima” delle scienze e delle arti.

MORFINA-srgbAmong the various means overcoming status, the provocative experience of Pictorialism tried to free the young girl made from albumin and colloid forced to clean the floors of the major arts. Hence some photographers dressed their models in order to evoke Flemish and Roman scenes, making ephebic and languid nudes eternal, exploring a new language. 

Tra i vari atteggiamenti di riscatto, la provocatoria esperienza del pictorialism si propose di liberare quella fanciulla fatta di albumina e collodio costretta a spazzare i pavimenti delle arti maggiori. Così alcuni fotografi travestirono i loro modelli evocando scene fiamminghe e romane, immortalando efebici e languidi corpi nudi, esplorando un nuovo linguaggio.

SEATED-WOMAN-FROM-BEHIND-srgbThis photographic project cannot and should not be related to those remote struggles; today photography lives serving the creative spirit, proving to be something more than memory’s sturdy appendix. Every shot comes from the synthesis of the formative path of two young artists that are longingly dedicated to painting, scenography, photography and cinema.

Questo progetto fotografico non può e non deve essere messo in connessione con quei lontani diverbi; la fotografia vive ora al servizio dello spirito creativo, dimostrando di non essere solo una robusta appendice della memoria. Ogni scatto nasce dalla sintesi del percorso formativo dei due giovani artisti impegnati da tempo nella pittura, nella scenografia, nella fotografia e nel cinema.


MUSIC-srgbThe colours and atmospheres of fin de siècle paintings are renewed through the strong colours of the contemporary interpretations, thus colliding with the eyes of a déjà-vu engaged observer.

I colori e le atmosfere dei dipinti della fin de siècle si rinnovano attraverso le tinte forti delle interpretazioni contemporanee, facendo stridere gli occhi dell’osservatore coinvolto in continui déjà vu.

POT-POURRI-srgbThe images are a result of hard work, from the realization of scenographies to the cleverly composed shots worked out in every phase, to the interpretation of those beauties that seem little by little to consume themselves because of a mysterious illness of the soul… Photography is the same fatal woman portrayed in Klimt’s, Shiele’s and Casas’ paintings, the reflection on the retina of a humanity drowned in an uncertain condition.

Le opere sono figlie di un immenso lavoro, dalla realizzazione delle scenografie, agli scatti sapientemente elaborati in tutte le loro fasi, all’interpretazione di quelle bellezze che paiono consumarsi a poco a poco per una misteriosa malattia dell’animo… La fotografia è la stessa donna fatale ritratta nei dipinti di Klimt, Schiele e Casas, il riflesso nella retina di un’umanità immersa in una condizione incerta.

SEATED-WOMAN-WITH-BENT-KNEE-srgbThe images, the offspring of the research of  lost time, reveal the “panic for the inevitable deception that enmeshes our lives, the total ruinous fall in this terrible condition” (Auerbach) that is renewed in the silence of the contemporary shots. In a time of political and cultural crisis, the dusty atmosphere of the atelier transforms itself into the glossy patina of the photograph without losing the sensation of the cliff from which the artist inevitably falls.

Le immagini, figlie della ricerca di un tempo perduto, rivelano il “panico per l’inevitabile inganno che irretisce la nostra vita, la rovinosa totale caduta in questa terribile condizione” (Auerbach) che si rinnova nel silenzio degli scatti contemporanei. In un’epoca di crisi culturale e politica, l’ambiente polveroso dell’atelier decadente si trasforma nella patina lucida della fotografia senza smarrire la sensazione del precipizio in cui l’artista viene irrimediabilmente gettato.

THE-BLACK-HAT-srgb
The melancholy of a look lost in another dimension, the boredom, the spleen evoked in the works reveal the sensitivity of new artistic means which were being questioned and discussed at the time when these paintings were being realized. The immortality of Schiele’s models, the bitter mystery of Klimt’s women, the enigmatic muses of minor artists live again in a new form touching with their sighs the contemporary image.
La malinconia degli sguardi persi in un’altra dimensione, il tedio, lo spleen rievocati in queste opere svelano la sensibilità dei nuovi mezzi artistici così dubitata e discussa proprio negli anni in cui gli stessi quadri venivano dipinti. L’immortalità delle modelle di Schiele, il mistero amaro delle donne di Klimt, le enigmatiche muse di artisti di minor fama rivivono in una nuova forma impressionando i loro sospiri nell’immagine contemporanea.

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Hi all! Here I am again, after a few months of silence, to share with you the post n° 100! Enjoy it!

 

Frédéric Delangle was born in 1965. He lives and works in Rueil-Malmaison, France.

www.fredericdelangle.com

 

All Images Copyright © Frédéric Delangle – Published with permission of the author.

1 coit - copie 2 coit - copie 3 coit - copieI quote the author: “Working on the sexual act meant going all the way-as close as possible to the coitus- showing the action in itself without ever crossing the boundary of the inappropriate detail. I started off asking myself about photographic recording of sexual act. For me, photography labours under a big handicap, compared to sculpture or painting, in that it can be very realistic- Courbet’s L’origine du monde for example- without being pornographic. In the end if a sculptor or a painter veers off into pornography it’s because he’s chosen to do so. In order to resolve the problem of voyeurism in relation to a photograph of a couple making love, I chose to work on time. Or perhaps I should say duration. Stretching out the exposure time to the duration of the coitus allowed me to avoid sliding into what might  have seemed like pornography, thought in fact that I really don’t care. I wanted to give another vision of sexual relationship- a vision on the threshold of the unconscious.

Riporto il progetto dell’autore: “Lavorare sull’atto sessuale significava andare in tutti i sensi -quanto più vicino possibile al coito- mostrando l’azione in sé, senza mai oltrepassare il limite del dettaglio inappropriato. Ho iniziato facendomi domande sulla registrazione fotografica dell’atto sessuale. Per me, la fotografia lavora con un grande handicap rispetto alla scultura o alla pittura, le quali possono essere molto realistiche -Courbet con l’Origine del Monde per esempio – senza risultare pornografiche. Alla fine, se uno scultore od un pittore lavorano nella pornografia è perché hanno scelto di farlo. Al fine di risolvere il problema del voyeurismo nei confronti di una fotografia di una coppia che fa l’amore, ho scelto di lavorare sul tempo. O forse dovrei dire durata. Allungare il tempo di esposizione per tutta la durata del coito mi ha permesso di evitare di scivolare in quello che poteva sembrare pornografia, cosa che davvero non mi interessa. Ho voluto dare un’altra visione del rapporto sessuale, una visione sulla soglia dell’inconscio.

4 coit - copie 5 coit - copie 6 coit - copieYes I materialised the sexual act and gave it a face without there being a film; because even if both mediums use time and negatives, the fact is that with traditional techniques a film exits only in a process . The movements are captured and transcribed, stage after stage.This photographs, on the other hand, were playing with time. They brought together the different stages of coitus in an image. I folded the begining on to the end, along with the middle. I compacted time, so that the different moments of the act were expressed only by the clear an the hazy. And unlike films, which for me are too directive, at least for this kind of object, my photographs impose nothing-not even an interpretation. Looking at my images, I’m not trying to re-create scenes in my mind. My interpretation’s angled towards the hazy parts, which I know represent rapid movements, and clear part, which result from slower movements. I just try to decipher the rythms. The feeling, for their part, aren’t accessible to me. I know that some people project themselves into the images and imagine the positions of the sexual relationship, but for me they’re mistaken. Everything overlaps, so no one can really tell what happened. And that’s what I like : people can interpret the image any way they like.

Sì, ho materializzato l’atto sessuale e gli ho dato un volto senza essere un film; perché anche se entrambi i mezzi usano il tempo ed i negativi, il fatto è che con la tecnica tradizionale il film esiste solo in una progressione. I movimenti sono catturati e trascritti, passo dopo passo. In queste fotografie invece, ho giocato con il tempo. Ho portato insieme le diverse fasi del coito in un’immagine. L’inizio è piegato verso la fine, insieme a ciò che è avvenuto durante. Diversamente dai film, che reputo siano troppo diretti, almeno per questo tipo di soggetto, le mie fotografie non impongono nulla, neanche un’ interpretazione. Guardando le mie immagini, non sto cercando di ricreare scene in mente. La mia interpretazione propende verso parti nebbiose, rappresentate da movimenti rapidi ed una parte chiara, che deriva da movimenti più lenti. Cerco solo di decifrare il ritmo. Il sentimento, da parte loro, non mi è accessibile. So che alcune persone si proiettano verso l’immagine ed immaginano le posizioni dell’atto sessuale, ma per me sbagliano. Tutto è sovrapposto, nessuno può realmente dire cos’è successo. E’ proprio questo quello che mi piace: le persone possono interpretare l’immagine come meglio credono.

7 coit  - copie 8 coit  - copie 9 coit  - copieI only suggest what happens. I’ve come right up to the limit : I show without really showing ! By compacting time, I don’t give a false image of reality, or even use any artifice. I « notify » a reality. I create a sort of temporal « filter », in the sense that I give another reading of time, using the properities of the photographic medium. And people can take the filter any way they want to. I don’t like clear-cut, obvious images. And that why I avoid offering anything explicit. Being categorical isn’t what I’m after. I always prefer what’s suggested- what’s proposed, not imposed.”

Io suggerisco soltanto quello che sta succedendo. Sono arrivato giusto al limite: mostro senza mostrare realmente! Compattando il tempo non do una falsa immagine della realtà, non uso nessun artificio. “Notifico” la realtà. Creo una sorta di filtro temporale, nel senso che do un’altra lettura del tempo, usando la prosperità del mezzo fotografico. Le persone possono prendere questo filtro come preferiscono. Non mi piacciono i tagli chiari e le immagini ovvie. Per questo non offro nulla di esplicito. Preferisco ciò che è suggerito piuttosto a ciò che è detto, imposto.”

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Angela Strassheim was born in Bloomfield, Iowa – USA and now lives in Connecticut and works in New York and Israel.

www.angelastrassheim.com

 

Future exhibitions:

The Kids are Alright, Addison Gallery of American Art, Andover, MA, Sept 14 – Jan 5 (2014)

The Kids are Alright, The Weatherspoon Art Museum, Greensboro, NC, May 25 – Aug 18

 

All Images Copyright © Angela Strassheim – Published with permission of the author.

I quote the author: “In my second series, Pause, I explored what it means to be a daughter and examined the complex dramas that reveal themselves in relationships with the father and other male figures of significance.  Many times my inspirations come from my own life experiences. I search for a stand-in, someone that represents myself from my past.

Cito l’autrice: ” Nella mia seconda serie, Pause, ho approfondito cosa voglia dire essere una figlia ed ho esaminato il complesso dramma che si rivela nella relazione con il padre od un’altra figura maschile di rilevanza. Molte volte mi ispiro direttamente dalle mie esperienze. Cerco spesso una controfugura, qualcuno che rappresenti me nel passato.

I choose what to photograph by selecting memories that haunt me in a confusing, disturbing moment of question.  By recreating these events, it allows me to see myself through other people.  I ask myself, “What did that event look like to someone else?” or “How was the other person affected who witnessed the event?”

Scelgo cosa fotografare selezionando i ricordi che mi mettono in confusione, in uno stato inquieto in cui mi pongo domande. Ricreando questi eventi posso vedere me stessa attraverso le altre persone. Mi chiedo: “Quanto questi eventi assomigliano alla storia di qualcun’altro?” o “Come stava l’altra persona che ha assistito all’evento?”

Gabriele Croppi was born in Domodossola (Italy) in 1974. He now lives and work in Milan.

www.gabrielecroppi.com

 

Current and future exhibitions of the artist:

Paris, 09/2012, Fundaçao Calouste, EUROPEAN PHOTO EXHIBITION AWARD
Lucca, 11/2012, FBML, EUROPEAN PHOTO EXHIBITION AWARD

Oslo, 04/2013, The Freedom of Expression Foundation, EUROPEAN PHOTO EXHIBITION AWARD

 

All Images Copyright © Gabriele Croppi – Published with permission of the author.

I quote the author: “(…) What interests me is the effect of the methaphysical in our thoughts and on our approach to life. This, in art as well as in photography, means going beyond, it means (that) the meaning and deep essence don’t stop with what we see. I have interpreted urban scenes of some Metropolis, with their obvious architectural, sociological and cultural differences, but with the firm objective to give back to the final image that specific “methaphysical dimension”. I would like to state that the result and contents of my research will not end in the images in which my project is embodied but in the way we could all look at them, filtering them with our subjectivity, with our cultural background, with all the questions, doubts, imagination which follow. The last aim of my artistic research is not that of supplying simple answers to the European Identity theme, but that of becoming aware of the complexity of metaphysical origin, which unites us in our European approach to both art and life. (…)”

Riporto le parole dell’autore: “(…) Ciò che mi interessa, sono gli effetti della metafisica nel nostro pensiero di europei, nel nostro approccio alla vita. Mi interessa la predisposizione al superamento delle apparenze. E questo in arte, in fotografia, significa “andare oltre” i confini fisici dell’opera stessa. Significa riconoscere che il significato non si esaurisce in ciò che vediamo. (…) Ho intrepretato gli scenari urbani di alcune grandi città europee, con le loro evidenti differenze architettoniche, sociologiche e culturali; ma con il fermo obiettivo di restituire alle immagini finali, quella “dimensione metafisica” che ho tentato di introdurre poco fa. Il risultato e i contenuti di questa ricerca non sono esclusivamente racchiusi nelle immagini in cui si concretizza il progetto, ma nel modo in cui tutti noi potremo guardarle, completarle, interpretarle filtrandole con la nostra soggettività, con il nostro background culturale, e con tutte le domande, i dubbi, le fantasie che ne conseguono. Il fine ultimo del mio lavoro non è quello di fornire semplicistiche risposte alla questione che ci siamo posti (l’identità europea), ma è quello di prendere coscienza della complessità interpretativa, di origine metafisica, che ci accomuna nel nostro approccio all’arte e alla vita. (…)”

 

 

Kamil Vojnar was born in the former Czechoslovakia in 1962. He now lives in Venice, California. He is represented by DOWN TO ART in Belgium, VERVE GALLERY in Santa Fe – USA, WALL SPACE GALLERY in Santa Barbara – USA and GALERIE BMG in Woodstock – USA.

www.kamilvojnar.com

 

Next exhibition of the artist: December 7 – January 16 at the OPEN SHUTTER GALLERY in Durango, CO – USA.

 

All Images Copiright © Kamil Vojnar – Published with permission of the author.

I quote a little paragraph written by the artist for the Dutch magazine EYEMAZING, in fall of 2010: “I make only small pictures, no big deal. Small, honest statements about the state of my soul. Why should you care anyway? There are plenty of pictures, anywhere you go. Every time you turn the corner there are pictures, every time you turn to the next page…more pictures. New pictures, old pictures, new pictures just like old pictures. Fresh, cool, hot, dated, contemporary, antiquated. (…) I photograph your face. I move your arm. And, I don’t know why. I print my pictures, I cut them, glue, paint, scratch, glue again, paint again. I don’t know why…”

Riporto una piccola parte da un testo scritto dall’autore per la rivista olandese EYEMAZING: “Creo solo piccole immagini, nessun grande affare. Piccole, oneste dichiarazioni sullo stato della mia anima. Ad ogni modo, perché ti dovrebbe interessare? Ci sono un sacco di immagini, ovunque tu vada. Ogni volta che giri l’angolo ci sono immagini, ogni volta che accedi alla pagina successiva… più foto. Nuove foto, vecchie immagini, nuove immagini come le vecchie immagini. Fresche, fredde, calde, datate, contemporanee, antiquate. (…) Fotografo il tuo viso. Sposto il tuo braccio. E, non so perché. Stampo le mie immagini, le taglio, colla, vernice, graffi, incollo di nuovo, dipingo ancora. Non so perché…”

Ruth Thorne-Thomsen was born in 1943 in New York and now lives in Philadelphia and Moab, Utah.

 

In the “Expeditions and Door” series, as well as “Prima Materia” and “Songs of the Sea”, made between 1976 and 1991, the author has utilized the insertion of objects in front of her pin-hole camera, things like plastic and metal toys, ornaments and trinkets. She calls her photos “environmental collage”. The resulting images feel like poems come to life – credible enough to seem real, yet imaginary enough to seem like dreams.

Nela serie “Spedizioni e Porte”, così come “Prima Materia” e “Canzoni del Mare”, realizzate tra il 1976 ed il 1991, l’autrice ha utilizzato l’inserimento di  oggetti di fronte la sua camera stenopeica, giocattoli di plastica e metallo, decorazioni e bigiotteria. Lei chiama queste foto “collage ambientali”. Le immagini ottenute sembrano storie che diventano realtà, credibili abbastanza da rembrare reali, ma abbastanza immaginarie da sembrare sogni.

 

Until Saturday, November 17th, The “Expeditions and Door” series will be exhibited at the LAURENCE MILLER GALLERY in New York, as part of “Two Of a Mind“: photographs by Ray K. Metzker and Ruth Thorne-Thomsen (presently husband and wife).

 

All images copyright © Ruth Thorne-Thomsen

Mitra Tabrizian was born in Tehran, Iran and now lives and works in London. She is represented by LEILA HELLER GALLERY in New York, PROJECT B GALLERY in Milan and THE WAPPING PROJECT BANKSIDE in London.

www.mitratabrizian.com

 

For those in London in the next few days, on Tuesday September 20th, from 6:00 pm to 8:00 pm, there will be a privare view of “Another Country”, a very beautiful work of the artist. The exhibition will continue until Friday November 2nd. Fore more information: www.thewappingprojectbankside.com

Per chi ha la possibilità di trovarsi a Londra nei prossimi giorni, giovedì 20 settembre, dalle 18:00 alle 20:00, ci sarà una visita privata di “Another Country”, un bellissimo lavoro dell’artista. La mostra continuerà fino a venerdì 2 novembre. Per maggiori informazioni: www.thewappingprojectbankside.com

 

“Wall House” was a commissioned project on the work of the American architect John Hejduk; each year artists are invited to live in the house he built in Groningen (wich is now a museum) for 10 days and come up with an interpretation. This is Mitra’s interpretation: “Private vs. Public – (…) Structurally, the project aims at a fictional representation of ‘real people’; constructing two sets of images, placed inside and outside: looking in, to the most private spaces in the house (toilet, bedroom, kitchen..), and looking out, to the exterior surrounding the house. However, in looking in something always ‘obstructs’ our voyeuristic look, there is an element of ‘not-seen’, creating an ambiguity (a man is lying on the bed, his head outside the frame. Is he asleep, unwell or dead? A woman seems disturbed entering the room. Whathas she encountered? A man is looking sadly across the table. Who is the woman on the other side?). The ambiguity is portrayed through ‘dislocation’ (what makes a man seek refuge under the table, or in the toilet?). And in looking out, we see (in most images) ‘private affairs’ placed in public spaces, indicating that the distinction between private and public is blurred, but still maintaining the enigmatic (a couple seems ‘caught’ in a secret rendezvous. Two men confront one another. A woman is anxiously waiting). Sothe narratives attempt to depict ‘interiority’, interior emotional states, in the form of gestures, expressions and interactions between the characters. And what brings the two sets of images together is isolation: detachment from the environment and between the individuals. The characters are either portrayed on their own or, if they appear with others, there seems to be a lack of communication, a disconnection, signifying ‘aloneness’. (…) we may speculate, what will remain of individuals in a life lacking in purpose, in a world with no privacy, no secrecy, no enigma?”

“Wall House” era un progetto commissionato sul lavoro dell’architetto americano John Hejduk (struttura che ora è diventata un museo); ogni anno diversi artisti erano invitati a vivere nella casa che l’architetto ha costruito in Groningen per 10 giorni, ed uscirne con un’interpretazione. Questa appunto, è l’interpretazione di Mitra: “Pubblico vs. Privato – (…) Strutturalmente, il progetto mira ad una rappresentazione immaginaria di ‘persone reali’ attraverso la costruzione di due set collocati uno all’interno ed uno all’esterno: guardando dentro gli spazi più privati della casa (bagno, camera da letto, cucina…) e guardando fuori, verso l’esterno che circonda la casa. Tuttavia, c’è sempre qualcosa che ‘ostruisce’ la nostra ricerca, il nostro sguardo voyeuristico. C’è spesso un elemento di ‘non-visto’ che crea ambiguità (un uomo è sdraiato sul letto con la testa fuori dal quadro. Dorme, sta male od è morto? Una donna sembra disturbata entrando nella stanza. Che cosa ha visto? Un uomo sta guardando tristemente oltre il tavolo. Chi è la donna dall’altro lato?). L’ambiguità è interpretata attraverso la ‘dislocazione’ (cos’è che spinge un uomo a cercare rifugio sotto un tavolo, od in bagno?). E guardando fuori, vediamo (nella maggior parte delle immagini) ‘affari privati’ collocati in spazi pubblici. Ciò indica che la distinzione tra pubblico e privato è sfocata, mantenendo comunque l’aspetto enigmatico (una coppia sembra ‘catturata’ durante un appuntamento segreto. Due uomini si affrontano l’uno con altro. Una donna è in trepidante attesa). Così le narrazioni tentano di rappresentare l’interiorità, gli stati emotivi: sotto forma di gesti, espressioni ed interazioni tra i personaggi. E’ infatti l’isolamento che riunisce i due insiemi di immagini: il distacco dall’ambiente e tra gli individui. Sia nei personaggi raffigurati per conto proprio, sia in quelli che appaiono con gli altri, sembra esserci una mancanza di comunicazione, una disconnessione, connotandone così la ‘solitudine’. (…) Possiamo così chiederci: che cosa resterà degli individui in una vita priva di scopi, in un mondo senza privacy, senza segreti e senza enigmi?”

 

All Images Copyright © Mitra Tabrizian – Published with permission of the author.

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