Tania (Venice, 1986) and Lazlo (Verona, 1984) live and work in Venice, Italy.

Their artworks, a fusion of photography, cinema, performance and installation, are the synthesis of their professional experiences that enable them to be completely autonomous in the execution of artworks related to the world of Staged Photography: from the integral making of sets, dresses and interpretation of the characters, to lighting, shots and post-production.

Current and future exhibition:

TABULA RASA – Metamorfosi per una rinascita
curated by Stefano Cecchetto
Museo del Paesaggio, Torre di Mosto (VE)
from September 14 to November 30 – 2013


curated by Simona Caramia
Galleria Peccolo, Livorno
from November 30 – 2013 to January 7 – 2014


All Images Copyright © Tania Brassesco & Lazlo Passi Norberto – published with permission of the authors




DAYDREAM--srgbWhen it was born, in January 1839, photography could not have imagined that its ambiguous relationship to painting would soon give rise to the war of image. The first results of this new expressive medium, of which the only practical function was seen as vulgar by many, could not break the intellectual wall created by the figurative arts: photography took its first steps as the “humblest servant” of sciences and arts.

All’epoca della sua nascita, nel gennaio 1839, la fotografia non poteva immaginare che la sua ambigua parentela con la pittura avrebbe ben presto scatenato la Guerra per l’immagine. I primi frutti del nuovo mezzo linguistico, la cui unica funzione pratica era da molti reputata volgare, non potevano oltrepassare la barriera intellettuale innalzata dall’arte figurativa: la fotografia mosse i suoi primi passi da “serva umilissima” delle scienze e delle arti.

MORFINA-srgbAmong the various means overcoming status, the provocative experience of Pictorialism tried to free the young girl made from albumin and colloid forced to clean the floors of the major arts. Hence some photographers dressed their models in order to evoke Flemish and Roman scenes, making ephebic and languid nudes eternal, exploring a new language. 

Tra i vari atteggiamenti di riscatto, la provocatoria esperienza del pictorialism si propose di liberare quella fanciulla fatta di albumina e collodio costretta a spazzare i pavimenti delle arti maggiori. Così alcuni fotografi travestirono i loro modelli evocando scene fiamminghe e romane, immortalando efebici e languidi corpi nudi, esplorando un nuovo linguaggio.

SEATED-WOMAN-FROM-BEHIND-srgbThis photographic project cannot and should not be related to those remote struggles; today photography lives serving the creative spirit, proving to be something more than memory’s sturdy appendix. Every shot comes from the synthesis of the formative path of two young artists that are longingly dedicated to painting, scenography, photography and cinema.

Questo progetto fotografico non può e non deve essere messo in connessione con quei lontani diverbi; la fotografia vive ora al servizio dello spirito creativo, dimostrando di non essere solo una robusta appendice della memoria. Ogni scatto nasce dalla sintesi del percorso formativo dei due giovani artisti impegnati da tempo nella pittura, nella scenografia, nella fotografia e nel cinema.

MUSIC-srgbThe colours and atmospheres of fin de siècle paintings are renewed through the strong colours of the contemporary interpretations, thus colliding with the eyes of a déjà-vu engaged observer.

I colori e le atmosfere dei dipinti della fin de siècle si rinnovano attraverso le tinte forti delle interpretazioni contemporanee, facendo stridere gli occhi dell’osservatore coinvolto in continui déjà vu.

POT-POURRI-srgbThe images are a result of hard work, from the realization of scenographies to the cleverly composed shots worked out in every phase, to the interpretation of those beauties that seem little by little to consume themselves because of a mysterious illness of the soul… Photography is the same fatal woman portrayed in Klimt’s, Shiele’s and Casas’ paintings, the reflection on the retina of a humanity drowned in an uncertain condition.

Le opere sono figlie di un immenso lavoro, dalla realizzazione delle scenografie, agli scatti sapientemente elaborati in tutte le loro fasi, all’interpretazione di quelle bellezze che paiono consumarsi a poco a poco per una misteriosa malattia dell’animo… La fotografia è la stessa donna fatale ritratta nei dipinti di Klimt, Schiele e Casas, il riflesso nella retina di un’umanità immersa in una condizione incerta.

SEATED-WOMAN-WITH-BENT-KNEE-srgbThe images, the offspring of the research of  lost time, reveal the “panic for the inevitable deception that enmeshes our lives, the total ruinous fall in this terrible condition” (Auerbach) that is renewed in the silence of the contemporary shots. In a time of political and cultural crisis, the dusty atmosphere of the atelier transforms itself into the glossy patina of the photograph without losing the sensation of the cliff from which the artist inevitably falls.

Le immagini, figlie della ricerca di un tempo perduto, rivelano il “panico per l’inevitabile inganno che irretisce la nostra vita, la rovinosa totale caduta in questa terribile condizione” (Auerbach) che si rinnova nel silenzio degli scatti contemporanei. In un’epoca di crisi culturale e politica, l’ambiente polveroso dell’atelier decadente si trasforma nella patina lucida della fotografia senza smarrire la sensazione del precipizio in cui l’artista viene irrimediabilmente gettato.

The melancholy of a look lost in another dimension, the boredom, the spleen evoked in the works reveal the sensitivity of new artistic means which were being questioned and discussed at the time when these paintings were being realized. The immortality of Schiele’s models, the bitter mystery of Klimt’s women, the enigmatic muses of minor artists live again in a new form touching with their sighs the contemporary image.
La malinconia degli sguardi persi in un’altra dimensione, il tedio, lo spleen rievocati in queste opere svelano la sensibilità dei nuovi mezzi artistici così dubitata e discussa proprio negli anni in cui gli stessi quadri venivano dipinti. L’immortalità delle modelle di Schiele, il mistero amaro delle donne di Klimt, le enigmatiche muse di artisti di minor fama rivivono in una nuova forma impressionando i loro sospiri nell’immagine contemporanea.


Gianluca Gamberini was born in 1979 in Bologna, Italy. He now lives and works in Paris.


This is the second time I talk about Gianluca’s photos, needless to say it is because I find them very interesting, in this case mainly for the “unexpected” subject and the care of his representation. “Tokio Ga” has been showed during the “Rencontre de la Photographie” de Arles 2013 in the section “Voies Off ” and it will be show at Paris Photo 2013 at Galerie du Jour Agnes B stand.

Questa è la seconda volta che parlo delle foto di Gianluca Gamberini, inutile dire che è perché le trovo molto interessanti, in questo caso soprattutto per il soggetto “inaspettato” e per la cura con cui è stato rappresentato. “Tokio Ga” è stato esposto quest’anno ai “Rencontre de la Photographie” di Arles, nella sezione “Voies Off” e sarà esposto a Paris Photo 2013 nello stand della galleria di Jour Agnes B.


All Images Copyright © Gianluca Gamberini – Published with permission of the author


IN THE INTERSTICE – A text by Xavier Gonzales – Back from Tokyo where he has been spending time as an artist in residence, Gianluca Gamberini gives us a very personal vision of the city and its vernacular architecture. He catches the paradoxes, the abrupt passages from high density to semi-rurality. And behind the apparent chaos generated by the permanent compromise between the desire for tradition and the acceptance of modernity, he finds a delicate impassibility, a minute yet sufficient distance between each thing. Gianluca Gamberini’s background is in films and he has constructed his new photo series along the lines of an urban tracking shot, guided by chance and intuition. His progress from place to place led him to discoveries, situations, and sequences inspired by Wim Wenders, who in turn inspired his title, Tokyo-ga – ‘Order (elegance) in Tokyo’.

Tornato da Tokyo, dove ha trascorso del tempo in una residenza per artisti, Gianluca Gamberini ci dà una visione molto personale della città e della sua architettura vernacolare. Afferra i paradossi, i bruschi passaggi da alta densità a semi-ruralità. Dietro l’apparente caos generato dal compromesso permanente tra il desiderio per la tradizione e l’accettazione della modernità, egli trova un impassibilità delicata, una piccola ma sufficiente distanza tra tutte le cose. Il background di Gianluca sono i film, forse per questo ha costruito la sua nuova serie di foto lungo le linee di una carrellata urbana, guidata dal caso e l’intuizione. Il progresso da un luogo ad un altro lo ha portato a scoperte, situazioni e sequenze ispirate da Wim Wenders, che a sua volta ha ispirato il suo titolo, Tokyo-ga – ‘Ordine (eleganza) a Tokyo’.


Gianluca Gamberini’s work incorporates the two Japanese expressions for space and nothingness: Mu and Ma. The concept of nothingness, which is closely bound up with Zen Buddhism, is deeply rooted in Japanese culture and is an integral part of everything. The concept of Mu is found in the town planning of Tokyo, where the centre is occupied by the Imperial City, the empty matrix responsible for the founding of the city and into which no one may penetrate. One of the largest megalopolises in the world grew up around this symbolically empty centre. Mu is also present in architecture. The effect of the sliding panels known as shoji and fusuma in the traditional habitat is to materialise the presence of nothingness. They are opened and closed according to the season or the occasion, to join or divide rooms and to merge with a natural, built and codified landscape.

Il lavoro di Gianluca incorpora le due espressioni giapponesi per lo spazio e il nulla: Mu e Ma. Il concetto del nulla, che è strettamente connesso con il Buddismo Zen, è profondamente radicato nella cultura giapponese ed è parte integrante del tutto. Il concetto di Mu si trova nell’urbanistica di Tokyo, dove il centro è occupato dalla città imperiale, la matrice vuota responsabile della Fondazione della città e in cui nessuno può penetrare. Una delle più grandi megalopoli nel mondo è cresciuta intorno a questo centro simbolicamente vuoto. MU è presente anche in architettura. L’effetto dei pannelli scorrevoli conosciuto come shoji e fusuma negli habitat tradizionali serve a materializzare la presenza del nulla. Esse vengono aperte e chiuse secondo la stagione o l’occasione, per unire o dividere le camere e per fondersi con un naturale, costruito e codificato paesaggio.


The construction of nothingness is ubiquitous in all the Japanese arts: it is to be found for example in flower arranging (ikebana), calligraphy, and cooking. Mu is the art of living in harmony with nothingness; it gives breathing space to any work of art. Ma, on the other hand, is the ‘in-between’ space, an idea of the interstice between nothing and everything, between nothingness and that which is. Ma designates the interval, the space that joins. It covers the idea of keeping a certain distance between bodies, the right distance for example in martial arts or in the ritual of greeting. It represents the distance necessary for two bodies to operate in space.It symbolises the two matching qualities of union and harmony.

La costruzione del nulla è onnipresente in tutte le arti giapponesi: essa si trova per esempio nell’arte della disposizione dei fiori recisi (ikebana), nella calligrafia e nella cottura. MU è l’arte di vivere in armonia con il nulla; dà respiro a qualsiasi opera d’arte. Ma, d’altra parte, è lo spazio ‘intermedio’, un’idea dell’interstizio tra niente e tutto, tra nulla e ciò che è. Designa l’intervallo, lo spazio che unisce. Esso copre l’idea di mantenere una certa distanza tra i corpi, la giusta distanza per esempio nelle arti marziali o nel rituale del saluto. Esso rappresenta la distanza necessaria per due corpi di operare nello spazio. Simboleggia le due corrispondenti qualità di Unione e Armonia.


Mu is present in Gianluca Gamberini’s decision to explore a particular territory in the manner of a situationist dérive (drift). His area of operation is marked out by the Yamamote underground railway line, which runs round the primordial urban void of the Imperial Palace. Ma, on the other hand, is present in his choice of subject, the interstice as an axis of dissymmetry. With this theme he has been able to create a series of urban portraits based on dyads juxtaposing opposite and complementary principles in neighbour pairs.

MU è presente nella decisione di Gianluca Gamberini di esplorare un territorio particolare alla maniera di un situazionalista dérive (derivato). La zona di operazione è segnata dalla linea ferroviaria metropolitana Yamamote, che corre intorno il vuoto urbano primordiale del Palazzo imperiale. Ma, d’altra parte, è presente nella sua scelta del soggetto, l’interstizio come un asse di asimmetria. Con questo tema è stato in grado di creare una serie di ritratti urbani basati su diadi, giustapponendo principi opposti e complementari in coppie vicine.


In Tokyo, the roads are made up of houses that are very close together but do not touch. They are separated by a gap that acts as air space and anti-earthquake expansion joint. These strangely designed party walls give rise to a host of obscure interstices used for such purposes as ventilation, air conditioning or for housing cables. And yet the gap between each building links the often very different personalities and backgrounds of the invisible occupants who live there at such surprisingly close quarters.

A Tokyo, le strade sono costituite da case che sono molto vicine tra loro, ma non toccano. Esse sono separate da un divario che funge da spazio aereo e come giunto di dilatazione anti-terremoto. Queste mura stranamente progettate danno origine ad una miriade di interstizi oscuri utilizzati per scopi come ventilazione, aria condizionata o per alloggiamento cavi. Eppure il divario tra ogni edificio collega personalità spesso molto diverse così come fanno da sfondo agli occupanti invisibili che vivono in questi quartieri sorprendentemente chiusi.

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Maxime Delvaux is a a belgian advertising and architecture photographer based in Brussels.


All images copyright Maxime Delvaux – Published with permission of the author

Schermata 03-2456357 alle 16.24.55 Schermata 03-2456357 alle 16.25.29 Schermata 03-2456357 alle 16.26.14I quote a text written by Mikhail Kissine: “Truthfulness is what one expects from photographs about North Korea. However, there are many truths in North Korea: not in the murky post-modern sense that there are no facts to be shown, but because of the severe limitations on what one is, literally and prosaically, allowed to see. So, how can representations of grandiose decoys, representations whose very angle seems constrained by secretive officialdom, fulfill our longing for a glance at the horrors of a totalitarian regime? Shouldn’t we rather prefer a furtive glimpse of the terror unfolding behind the scenes?

Riporto un testo di Mikhail Kissine: ‘Veridicità’ è ciò che ci si aspetta di vedere in fotografie della Corea del Nord. Tuttavia, vi sono molte verità in Corea del Nord: non nel senso torbido e postmoderno del termine in cui non ci sono fatti da essere mostrati, ma a causa delle gravi limitazioni su ciò che è, letteralmente e prosaicamente, permesso di vedere. Così, come possono le rappresentazioni di grandiosi dispositivi finti, rappresentazioni vincolate dalla burocrazia reticente, realizzare il nostro desiderio di guardare gli orrori di un regime totalitario? Non dovremmo piuttosto preferire uno sguardo furtivo del terrore che si sta svolgendo dietro le quinte?

Schermata 03-2456357 alle 16.26.05 Schermata 03-2456357 alle 16.25.43 Schermata 03-2456357 alle 16.25.14

We should not. Catching from the corner of the eye the sight of what might be a hungry child isn’t necessary to understand the madness of the regime. The few people in the surrounding emptiness give the scale of the buildings; the sober explanations, provided by the regime itself, give the scale of the folly. We don’t need to be told that the cooperative shop isn’t available to a starving population: one should be scared of a regime that builds to foul visitors. What Maxime Delvaux’s photos show is very real. Sufficiently real, indeed, to gently distillate a disturbing feeling, where the nauseating vertigo of some of the Borge’s Fictions mixes up with a genuinely Orwellian fear.

No, non dovremmo. Catturare dall’angolo dell’occhio l’immagine di quello che potrebbe essere un bambino affamato non è necessario per capire la follia del regime. Le poche persone nel vuoto circostante danno la scala degli edifici; le spiegazioni sobrie fornite dal regime stesso, danno la scala della follia. Non abbiamo bisogno di dire che i negozi non sono disponibili per una popolazione affamata: dovremmo essere spaventati da un regime che costruisce per ripugnare i visitatori. Ciò che viene mostrato dalle fotografie di Maxime Delvaux è molto reale. Sufficientemente vero, infatti, da distillare delicatamente una sensazione inquietante, dove la vertigine nauseante di alcuni romanzi di Borge si mescola con una paura sinceramente orwelliana.

Schermata 03-2456357 alle 16.26.32 Schermata 03-2456357 alle 16.26.58 Schermata 03-2456357 alle 16.27.09

Schermata 03-2456357 alle 16.27.29Social psychologists recently found that Western educated people tend to underestimate the extent to which they are influenced by irrational conspiracy theories. Propaganda works insidiously, or else it would be useless. So, if at first you only feel slightly amused, if it takes you a while to understand what it means for a country to display this, it’s all right. This is what these photos are for.”

Gli psicologi sociali hanno recentemente scoperto che le persone educate all’occidentale tendono a sottovalutare l’entità della loro influenza alle teorie di cospirazione irrazionale. La propaganda funziona insidiosamente, altrimenti sarebbe inutile. Quindi, se all’inizio ti senti solo leggermente divertito, se ti serve un po’ per capire che cosa significa per un paese visualizzare tutto questo, è tutto a posto. E’ proprio a questo che servono queste foto.”

Hi all! Here I am again, after a few months of silence, to share with you the post n° 100! Enjoy it!


Frédéric Delangle was born in 1965. He lives and works in Rueil-Malmaison, France.


All Images Copyright © Frédéric Delangle – Published with permission of the author.

1 coit - copie 2 coit - copie 3 coit - copieI quote the author: “Working on the sexual act meant going all the way-as close as possible to the coitus- showing the action in itself without ever crossing the boundary of the inappropriate detail. I started off asking myself about photographic recording of sexual act. For me, photography labours under a big handicap, compared to sculpture or painting, in that it can be very realistic- Courbet’s L’origine du monde for example- without being pornographic. In the end if a sculptor or a painter veers off into pornography it’s because he’s chosen to do so. In order to resolve the problem of voyeurism in relation to a photograph of a couple making love, I chose to work on time. Or perhaps I should say duration. Stretching out the exposure time to the duration of the coitus allowed me to avoid sliding into what might  have seemed like pornography, thought in fact that I really don’t care. I wanted to give another vision of sexual relationship- a vision on the threshold of the unconscious.

Riporto il progetto dell’autore: “Lavorare sull’atto sessuale significava andare in tutti i sensi -quanto più vicino possibile al coito- mostrando l’azione in sé, senza mai oltrepassare il limite del dettaglio inappropriato. Ho iniziato facendomi domande sulla registrazione fotografica dell’atto sessuale. Per me, la fotografia lavora con un grande handicap rispetto alla scultura o alla pittura, le quali possono essere molto realistiche -Courbet con l’Origine del Monde per esempio – senza risultare pornografiche. Alla fine, se uno scultore od un pittore lavorano nella pornografia è perché hanno scelto di farlo. Al fine di risolvere il problema del voyeurismo nei confronti di una fotografia di una coppia che fa l’amore, ho scelto di lavorare sul tempo. O forse dovrei dire durata. Allungare il tempo di esposizione per tutta la durata del coito mi ha permesso di evitare di scivolare in quello che poteva sembrare pornografia, cosa che davvero non mi interessa. Ho voluto dare un’altra visione del rapporto sessuale, una visione sulla soglia dell’inconscio.

4 coit - copie 5 coit - copie 6 coit - copieYes I materialised the sexual act and gave it a face without there being a film; because even if both mediums use time and negatives, the fact is that with traditional techniques a film exits only in a process . The movements are captured and transcribed, stage after stage.This photographs, on the other hand, were playing with time. They brought together the different stages of coitus in an image. I folded the begining on to the end, along with the middle. I compacted time, so that the different moments of the act were expressed only by the clear an the hazy. And unlike films, which for me are too directive, at least for this kind of object, my photographs impose nothing-not even an interpretation. Looking at my images, I’m not trying to re-create scenes in my mind. My interpretation’s angled towards the hazy parts, which I know represent rapid movements, and clear part, which result from slower movements. I just try to decipher the rythms. The feeling, for their part, aren’t accessible to me. I know that some people project themselves into the images and imagine the positions of the sexual relationship, but for me they’re mistaken. Everything overlaps, so no one can really tell what happened. And that’s what I like : people can interpret the image any way they like.

Sì, ho materializzato l’atto sessuale e gli ho dato un volto senza essere un film; perché anche se entrambi i mezzi usano il tempo ed i negativi, il fatto è che con la tecnica tradizionale il film esiste solo in una progressione. I movimenti sono catturati e trascritti, passo dopo passo. In queste fotografie invece, ho giocato con il tempo. Ho portato insieme le diverse fasi del coito in un’immagine. L’inizio è piegato verso la fine, insieme a ciò che è avvenuto durante. Diversamente dai film, che reputo siano troppo diretti, almeno per questo tipo di soggetto, le mie fotografie non impongono nulla, neanche un’ interpretazione. Guardando le mie immagini, non sto cercando di ricreare scene in mente. La mia interpretazione propende verso parti nebbiose, rappresentate da movimenti rapidi ed una parte chiara, che deriva da movimenti più lenti. Cerco solo di decifrare il ritmo. Il sentimento, da parte loro, non mi è accessibile. So che alcune persone si proiettano verso l’immagine ed immaginano le posizioni dell’atto sessuale, ma per me sbagliano. Tutto è sovrapposto, nessuno può realmente dire cos’è successo. E’ proprio questo quello che mi piace: le persone possono interpretare l’immagine come meglio credono.

7 coit  - copie 8 coit  - copie 9 coit  - copieI only suggest what happens. I’ve come right up to the limit : I show without really showing ! By compacting time, I don’t give a false image of reality, or even use any artifice. I « notify » a reality. I create a sort of temporal « filter », in the sense that I give another reading of time, using the properities of the photographic medium. And people can take the filter any way they want to. I don’t like clear-cut, obvious images. And that why I avoid offering anything explicit. Being categorical isn’t what I’m after. I always prefer what’s suggested- what’s proposed, not imposed.”

Io suggerisco soltanto quello che sta succedendo. Sono arrivato giusto al limite: mostro senza mostrare realmente! Compattando il tempo non do una falsa immagine della realtà, non uso nessun artificio. “Notifico” la realtà. Creo una sorta di filtro temporale, nel senso che do un’altra lettura del tempo, usando la prosperità del mezzo fotografico. Le persone possono prendere questo filtro come preferiscono. Non mi piacciono i tagli chiari e le immagini ovvie. Per questo non offro nulla di esplicito. Preferisco ciò che è suggerito piuttosto a ciò che è detto, imposto.”

10 coit  copie coit21 - copie coit24 - copie

Angela Strassheim was born in Bloomfield, Iowa – USA and now lives in Connecticut and works in New York and Israel.


Future exhibitions:

The Kids are Alright, Addison Gallery of American Art, Andover, MA, Sept 14 – Jan 5 (2014)

The Kids are Alright, The Weatherspoon Art Museum, Greensboro, NC, May 25 – Aug 18


All Images Copyright © Angela Strassheim – Published with permission of the author.

I quote the author: “In my second series, Pause, I explored what it means to be a daughter and examined the complex dramas that reveal themselves in relationships with the father and other male figures of significance.  Many times my inspirations come from my own life experiences. I search for a stand-in, someone that represents myself from my past.

Cito l’autrice: ” Nella mia seconda serie, Pause, ho approfondito cosa voglia dire essere una figlia ed ho esaminato il complesso dramma che si rivela nella relazione con il padre od un’altra figura maschile di rilevanza. Molte volte mi ispiro direttamente dalle mie esperienze. Cerco spesso una controfugura, qualcuno che rappresenti me nel passato.

I choose what to photograph by selecting memories that haunt me in a confusing, disturbing moment of question.  By recreating these events, it allows me to see myself through other people.  I ask myself, “What did that event look like to someone else?” or “How was the other person affected who witnessed the event?”

Scelgo cosa fotografare selezionando i ricordi che mi mettono in confusione, in uno stato inquieto in cui mi pongo domande. Ricreando questi eventi posso vedere me stessa attraverso le altre persone. Mi chiedo: “Quanto questi eventi assomigliano alla storia di qualcun’altro?” o “Come stava l’altra persona che ha assistito all’evento?”

Margherita Cesaretti was born in Assisi (Italy) in 1982. She lives and works in Florence.


The artist’s work will be shown at “Le Mois de la Photo” in Paris, from November 13th to December 1st, at the Paris Hôtel de Sauroy, as part of the “Thanks to Luigi Ghirri – Itaian emerging photography” exhibition.


All Images Copyright © Margherita Cesaretti – Published with permission of the author.

I quote a paragraph written by Lorella Klun: “Despite the privations, a dog’s life fitted Diogenes to a ‘t’ because it allowed him not to be subserviant to anyone and to be totally autonomous; thanks to him the appellation cynical (kynikos), an adjective derived from kyon, dog, has characterised an anti-conventional school of thought that, through the centuries and up to the present day, has gathered bands of followers.
‘For The Dogs’, more than a portfoglio, is the visual manifestation of a modern thought that gathers philosophical suggestions from the school of Antisthenes unifying them to our disenchanted and often bitter awareness.

Riporto un paragrafo scritto da Lorella Klun: “A Diogene la vita del cane calzava a pennello, poiché gli consentiva, nonostante le privazioni, di non essere asservito ad alcuno e di agire sempre in piena autonomia; grazie a lui l’appellativo cinico (kynikos), aggettivo derivato da kyon, cane, ha caratterizzato una scuola di pensiero anticonvenzionale che, attraverso i secoli e fino ai nostri giorni, ha raccolto schiere di proseliti. “Pour les chiens” più che un portfolio, è la manifestazione visiva di un pensiero moderno, che raccoglie le suggestioni filosofiche della scuola di Antistene, unendole alla nostra attuale, disincantata e spesso amara consapevolezza.

Picture after picture Margherita Cesaretti unravels her vision of the world through a current that flows, continues and erodes voracious human ambitions, smoothing away pains and desires, making vices and virtues uniform. It is sufficient to change the perspective and that is where man and animal are not masses of cells destined to disintegrate and join together again in the flow of history, deconstructing and reactivating instinctive perceptions, the symbols of spiritual and temporal power lose their subliminal force abandoning themselves in the fog of equivalent characterisitics.

Immagine dopo immagine Margherita Cesaretti dipana la sua visione del mondo, attraverso una corrente che fluisce continua ed erode le voraci ambizioni umane, smussa dolori e desideri, uniforma vizi e virtù. Basta cambiare prospettiva ed ecco che l’uomo e l’animale non sono che ammassi di cellule destinati a disgregarsi e ricombinarsi nel flusso della storia; de-costruendo e “riavviando” le percezioni gestaltiche, i simboli del potere spirituale e temporale perdono la loro forza subliminale, adagiandosi tra le velature di segni equipollenti.

The winding course of the fluvial current alongside the composition of the photograms gives direction to the interpretation; yet we can recognise sub-guidelines within that are of a couple’s harmony: the white dog and the bag of shopping relate to each other on the same structural plain, likewise the seated woman and the bony carcass, or the dance movements of man and shark. The author’s vision cannot but be stripped of all the range of colour that often eludes the eye and the mind: hence the choice of black and white, but above all the black, mellow and winding, from which human and animal limbs break loose. The white cuts into the shadow with a mantle of chalky graffiti, skin and limestone, to the luminous masses of the final image: perhaps the threshold of a new beginning…”

Il sinuoso andamento della corrente fluviale, lungo l’insieme dei fotogrammi, conferisce una direzione di lettura; all’interno possiamo tuttavia riconoscere delle sotto-direttrici che si reggono su corrispondenze di coppia: il cane bianco e il sacchetto della spesa si rapportano sullo stesso piano strutturale, come pure la donna seduta e la carcassa ossea, o i movimenti “danzanti” di uomo e selace. La visione dell’autrice non può che essere sfrondata da tutta la gamma cromatica che spesso illude l’occhio e la mente: da qui la scelta del bianco e nero, ma soprattutto del nero, pastoso e avvolgente, dal quale si staccano a fatica membra umane e animali. Il bianco incide l’ombra con i graffiti gessosi di manto, epidermide e calcare, fino alle concrezioni luminose dell’immagine finale: forse la soglia di un nuovo inizio…”

Gabriele Croppi was born in Domodossola (Italy) in 1974. He now lives and work in Milan.


Current and future exhibitions of the artist:

Paris, 09/2012, Fundaçao Calouste, EUROPEAN PHOTO EXHIBITION AWARD

Oslo, 04/2013, The Freedom of Expression Foundation, EUROPEAN PHOTO EXHIBITION AWARD


All Images Copyright © Gabriele Croppi – Published with permission of the author.

I quote the author: “(…) What interests me is the effect of the methaphysical in our thoughts and on our approach to life. This, in art as well as in photography, means going beyond, it means (that) the meaning and deep essence don’t stop with what we see. I have interpreted urban scenes of some Metropolis, with their obvious architectural, sociological and cultural differences, but with the firm objective to give back to the final image that specific “methaphysical dimension”. I would like to state that the result and contents of my research will not end in the images in which my project is embodied but in the way we could all look at them, filtering them with our subjectivity, with our cultural background, with all the questions, doubts, imagination which follow. The last aim of my artistic research is not that of supplying simple answers to the European Identity theme, but that of becoming aware of the complexity of metaphysical origin, which unites us in our European approach to both art and life. (…)”

Riporto le parole dell’autore: “(…) Ciò che mi interessa, sono gli effetti della metafisica nel nostro pensiero di europei, nel nostro approccio alla vita. Mi interessa la predisposizione al superamento delle apparenze. E questo in arte, in fotografia, significa “andare oltre” i confini fisici dell’opera stessa. Significa riconoscere che il significato non si esaurisce in ciò che vediamo. (…) Ho intrepretato gli scenari urbani di alcune grandi città europee, con le loro evidenti differenze architettoniche, sociologiche e culturali; ma con il fermo obiettivo di restituire alle immagini finali, quella “dimensione metafisica” che ho tentato di introdurre poco fa. Il risultato e i contenuti di questa ricerca non sono esclusivamente racchiusi nelle immagini in cui si concretizza il progetto, ma nel modo in cui tutti noi potremo guardarle, completarle, interpretarle filtrandole con la nostra soggettività, con il nostro background culturale, e con tutte le domande, i dubbi, le fantasie che ne conseguono. Il fine ultimo del mio lavoro non è quello di fornire semplicistiche risposte alla questione che ci siamo posti (l’identità europea), ma è quello di prendere coscienza della complessità interpretativa, di origine metafisica, che ci accomuna nel nostro approccio all’arte e alla vita. (…)”



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