archivio

creative

Tania (Venice, 1986) and Lazlo (Verona, 1984) live and work in Venice, Italy.

Their artworks, a fusion of photography, cinema, performance and installation, are the synthesis of their professional experiences that enable them to be completely autonomous in the execution of artworks related to the world of Staged Photography: from the integral making of sets, dresses and interpretation of the characters, to lighting, shots and post-production.

www.tanialazlo.com

Current and future exhibition:

TABULA RASA – Metamorfosi per una rinascita
curated by Stefano Cecchetto
Museo del Paesaggio, Torre di Mosto (VE)
from September 14 to November 30 – 2013

 

TRASCRIZIONI SUL CORPO
curated by Simona Caramia
Galleria Peccolo, Livorno
from November 30 – 2013 to January 7 – 2014

 

All Images Copyright © Tania Brassesco & Lazlo Passi Norberto – published with permission of the authors

 

PHOTOGRAPHY INTERPRETING DECADENCE’S PAINTING. Text by Anna Giulia Volpato

 

DAYDREAM--srgbWhen it was born, in January 1839, photography could not have imagined that its ambiguous relationship to painting would soon give rise to the war of image. The first results of this new expressive medium, of which the only practical function was seen as vulgar by many, could not break the intellectual wall created by the figurative arts: photography took its first steps as the “humblest servant” of sciences and arts.

All’epoca della sua nascita, nel gennaio 1839, la fotografia non poteva immaginare che la sua ambigua parentela con la pittura avrebbe ben presto scatenato la Guerra per l’immagine. I primi frutti del nuovo mezzo linguistico, la cui unica funzione pratica era da molti reputata volgare, non potevano oltrepassare la barriera intellettuale innalzata dall’arte figurativa: la fotografia mosse i suoi primi passi da “serva umilissima” delle scienze e delle arti.

MORFINA-srgbAmong the various means overcoming status, the provocative experience of Pictorialism tried to free the young girl made from albumin and colloid forced to clean the floors of the major arts. Hence some photographers dressed their models in order to evoke Flemish and Roman scenes, making ephebic and languid nudes eternal, exploring a new language. 

Tra i vari atteggiamenti di riscatto, la provocatoria esperienza del pictorialism si propose di liberare quella fanciulla fatta di albumina e collodio costretta a spazzare i pavimenti delle arti maggiori. Così alcuni fotografi travestirono i loro modelli evocando scene fiamminghe e romane, immortalando efebici e languidi corpi nudi, esplorando un nuovo linguaggio.

SEATED-WOMAN-FROM-BEHIND-srgbThis photographic project cannot and should not be related to those remote struggles; today photography lives serving the creative spirit, proving to be something more than memory’s sturdy appendix. Every shot comes from the synthesis of the formative path of two young artists that are longingly dedicated to painting, scenography, photography and cinema.

Questo progetto fotografico non può e non deve essere messo in connessione con quei lontani diverbi; la fotografia vive ora al servizio dello spirito creativo, dimostrando di non essere solo una robusta appendice della memoria. Ogni scatto nasce dalla sintesi del percorso formativo dei due giovani artisti impegnati da tempo nella pittura, nella scenografia, nella fotografia e nel cinema.


MUSIC-srgbThe colours and atmospheres of fin de siècle paintings are renewed through the strong colours of the contemporary interpretations, thus colliding with the eyes of a déjà-vu engaged observer.

I colori e le atmosfere dei dipinti della fin de siècle si rinnovano attraverso le tinte forti delle interpretazioni contemporanee, facendo stridere gli occhi dell’osservatore coinvolto in continui déjà vu.

POT-POURRI-srgbThe images are a result of hard work, from the realization of scenographies to the cleverly composed shots worked out in every phase, to the interpretation of those beauties that seem little by little to consume themselves because of a mysterious illness of the soul… Photography is the same fatal woman portrayed in Klimt’s, Shiele’s and Casas’ paintings, the reflection on the retina of a humanity drowned in an uncertain condition.

Le opere sono figlie di un immenso lavoro, dalla realizzazione delle scenografie, agli scatti sapientemente elaborati in tutte le loro fasi, all’interpretazione di quelle bellezze che paiono consumarsi a poco a poco per una misteriosa malattia dell’animo… La fotografia è la stessa donna fatale ritratta nei dipinti di Klimt, Schiele e Casas, il riflesso nella retina di un’umanità immersa in una condizione incerta.

SEATED-WOMAN-WITH-BENT-KNEE-srgbThe images, the offspring of the research of  lost time, reveal the “panic for the inevitable deception that enmeshes our lives, the total ruinous fall in this terrible condition” (Auerbach) that is renewed in the silence of the contemporary shots. In a time of political and cultural crisis, the dusty atmosphere of the atelier transforms itself into the glossy patina of the photograph without losing the sensation of the cliff from which the artist inevitably falls.

Le immagini, figlie della ricerca di un tempo perduto, rivelano il “panico per l’inevitabile inganno che irretisce la nostra vita, la rovinosa totale caduta in questa terribile condizione” (Auerbach) che si rinnova nel silenzio degli scatti contemporanei. In un’epoca di crisi culturale e politica, l’ambiente polveroso dell’atelier decadente si trasforma nella patina lucida della fotografia senza smarrire la sensazione del precipizio in cui l’artista viene irrimediabilmente gettato.

THE-BLACK-HAT-srgb
The melancholy of a look lost in another dimension, the boredom, the spleen evoked in the works reveal the sensitivity of new artistic means which were being questioned and discussed at the time when these paintings were being realized. The immortality of Schiele’s models, the bitter mystery of Klimt’s women, the enigmatic muses of minor artists live again in a new form touching with their sighs the contemporary image.
La malinconia degli sguardi persi in un’altra dimensione, il tedio, lo spleen rievocati in queste opere svelano la sensibilità dei nuovi mezzi artistici così dubitata e discussa proprio negli anni in cui gli stessi quadri venivano dipinti. L’immortalità delle modelle di Schiele, il mistero amaro delle donne di Klimt, le enigmatiche muse di artisti di minor fama rivivono in una nuova forma impressionando i loro sospiri nell’immagine contemporanea.

Hi all! Here I am again, after a few months of silence, to share with you the post n° 100! Enjoy it!

 

Frédéric Delangle was born in 1965. He lives and works in Rueil-Malmaison, France.

www.fredericdelangle.com

 

All Images Copyright © Frédéric Delangle – Published with permission of the author.

1 coit - copie 2 coit - copie 3 coit - copieI quote the author: “Working on the sexual act meant going all the way-as close as possible to the coitus- showing the action in itself without ever crossing the boundary of the inappropriate detail. I started off asking myself about photographic recording of sexual act. For me, photography labours under a big handicap, compared to sculpture or painting, in that it can be very realistic- Courbet’s L’origine du monde for example- without being pornographic. In the end if a sculptor or a painter veers off into pornography it’s because he’s chosen to do so. In order to resolve the problem of voyeurism in relation to a photograph of a couple making love, I chose to work on time. Or perhaps I should say duration. Stretching out the exposure time to the duration of the coitus allowed me to avoid sliding into what might  have seemed like pornography, thought in fact that I really don’t care. I wanted to give another vision of sexual relationship- a vision on the threshold of the unconscious.

Riporto il progetto dell’autore: “Lavorare sull’atto sessuale significava andare in tutti i sensi -quanto più vicino possibile al coito- mostrando l’azione in sé, senza mai oltrepassare il limite del dettaglio inappropriato. Ho iniziato facendomi domande sulla registrazione fotografica dell’atto sessuale. Per me, la fotografia lavora con un grande handicap rispetto alla scultura o alla pittura, le quali possono essere molto realistiche -Courbet con l’Origine del Monde per esempio – senza risultare pornografiche. Alla fine, se uno scultore od un pittore lavorano nella pornografia è perché hanno scelto di farlo. Al fine di risolvere il problema del voyeurismo nei confronti di una fotografia di una coppia che fa l’amore, ho scelto di lavorare sul tempo. O forse dovrei dire durata. Allungare il tempo di esposizione per tutta la durata del coito mi ha permesso di evitare di scivolare in quello che poteva sembrare pornografia, cosa che davvero non mi interessa. Ho voluto dare un’altra visione del rapporto sessuale, una visione sulla soglia dell’inconscio.

4 coit - copie 5 coit - copie 6 coit - copieYes I materialised the sexual act and gave it a face without there being a film; because even if both mediums use time and negatives, the fact is that with traditional techniques a film exits only in a process . The movements are captured and transcribed, stage after stage.This photographs, on the other hand, were playing with time. They brought together the different stages of coitus in an image. I folded the begining on to the end, along with the middle. I compacted time, so that the different moments of the act were expressed only by the clear an the hazy. And unlike films, which for me are too directive, at least for this kind of object, my photographs impose nothing-not even an interpretation. Looking at my images, I’m not trying to re-create scenes in my mind. My interpretation’s angled towards the hazy parts, which I know represent rapid movements, and clear part, which result from slower movements. I just try to decipher the rythms. The feeling, for their part, aren’t accessible to me. I know that some people project themselves into the images and imagine the positions of the sexual relationship, but for me they’re mistaken. Everything overlaps, so no one can really tell what happened. And that’s what I like : people can interpret the image any way they like.

Sì, ho materializzato l’atto sessuale e gli ho dato un volto senza essere un film; perché anche se entrambi i mezzi usano il tempo ed i negativi, il fatto è che con la tecnica tradizionale il film esiste solo in una progressione. I movimenti sono catturati e trascritti, passo dopo passo. In queste fotografie invece, ho giocato con il tempo. Ho portato insieme le diverse fasi del coito in un’immagine. L’inizio è piegato verso la fine, insieme a ciò che è avvenuto durante. Diversamente dai film, che reputo siano troppo diretti, almeno per questo tipo di soggetto, le mie fotografie non impongono nulla, neanche un’ interpretazione. Guardando le mie immagini, non sto cercando di ricreare scene in mente. La mia interpretazione propende verso parti nebbiose, rappresentate da movimenti rapidi ed una parte chiara, che deriva da movimenti più lenti. Cerco solo di decifrare il ritmo. Il sentimento, da parte loro, non mi è accessibile. So che alcune persone si proiettano verso l’immagine ed immaginano le posizioni dell’atto sessuale, ma per me sbagliano. Tutto è sovrapposto, nessuno può realmente dire cos’è successo. E’ proprio questo quello che mi piace: le persone possono interpretare l’immagine come meglio credono.

7 coit  - copie 8 coit  - copie 9 coit  - copieI only suggest what happens. I’ve come right up to the limit : I show without really showing ! By compacting time, I don’t give a false image of reality, or even use any artifice. I « notify » a reality. I create a sort of temporal « filter », in the sense that I give another reading of time, using the properities of the photographic medium. And people can take the filter any way they want to. I don’t like clear-cut, obvious images. And that why I avoid offering anything explicit. Being categorical isn’t what I’m after. I always prefer what’s suggested- what’s proposed, not imposed.”

Io suggerisco soltanto quello che sta succedendo. Sono arrivato giusto al limite: mostro senza mostrare realmente! Compattando il tempo non do una falsa immagine della realtà, non uso nessun artificio. “Notifico” la realtà. Creo una sorta di filtro temporale, nel senso che do un’altra lettura del tempo, usando la prosperità del mezzo fotografico. Le persone possono prendere questo filtro come preferiscono. Non mi piacciono i tagli chiari e le immagini ovvie. Per questo non offro nulla di esplicito. Preferisco ciò che è suggerito piuttosto a ciò che è detto, imposto.”

10 coit  copie coit21 - copie coit24 - copie

Margherita Cesaretti was born in Assisi (Italy) in 1982. She lives and works in Florence.

www.margheritacesaretti.com

 

The artist’s work will be shown at “Le Mois de la Photo” in Paris, from November 13th to December 1st, at the Paris Hôtel de Sauroy, as part of the “Thanks to Luigi Ghirri – Itaian emerging photography” exhibition.

 

All Images Copyright © Margherita Cesaretti – Published with permission of the author.

I quote a paragraph written by Lorella Klun: “Despite the privations, a dog’s life fitted Diogenes to a ‘t’ because it allowed him not to be subserviant to anyone and to be totally autonomous; thanks to him the appellation cynical (kynikos), an adjective derived from kyon, dog, has characterised an anti-conventional school of thought that, through the centuries and up to the present day, has gathered bands of followers.
‘For The Dogs’, more than a portfoglio, is the visual manifestation of a modern thought that gathers philosophical suggestions from the school of Antisthenes unifying them to our disenchanted and often bitter awareness.

Riporto un paragrafo scritto da Lorella Klun: “A Diogene la vita del cane calzava a pennello, poiché gli consentiva, nonostante le privazioni, di non essere asservito ad alcuno e di agire sempre in piena autonomia; grazie a lui l’appellativo cinico (kynikos), aggettivo derivato da kyon, cane, ha caratterizzato una scuola di pensiero anticonvenzionale che, attraverso i secoli e fino ai nostri giorni, ha raccolto schiere di proseliti. “Pour les chiens” più che un portfolio, è la manifestazione visiva di un pensiero moderno, che raccoglie le suggestioni filosofiche della scuola di Antistene, unendole alla nostra attuale, disincantata e spesso amara consapevolezza.

Picture after picture Margherita Cesaretti unravels her vision of the world through a current that flows, continues and erodes voracious human ambitions, smoothing away pains and desires, making vices and virtues uniform. It is sufficient to change the perspective and that is where man and animal are not masses of cells destined to disintegrate and join together again in the flow of history, deconstructing and reactivating instinctive perceptions, the symbols of spiritual and temporal power lose their subliminal force abandoning themselves in the fog of equivalent characterisitics.

Immagine dopo immagine Margherita Cesaretti dipana la sua visione del mondo, attraverso una corrente che fluisce continua ed erode le voraci ambizioni umane, smussa dolori e desideri, uniforma vizi e virtù. Basta cambiare prospettiva ed ecco che l’uomo e l’animale non sono che ammassi di cellule destinati a disgregarsi e ricombinarsi nel flusso della storia; de-costruendo e “riavviando” le percezioni gestaltiche, i simboli del potere spirituale e temporale perdono la loro forza subliminale, adagiandosi tra le velature di segni equipollenti.

The winding course of the fluvial current alongside the composition of the photograms gives direction to the interpretation; yet we can recognise sub-guidelines within that are of a couple’s harmony: the white dog and the bag of shopping relate to each other on the same structural plain, likewise the seated woman and the bony carcass, or the dance movements of man and shark. The author’s vision cannot but be stripped of all the range of colour that often eludes the eye and the mind: hence the choice of black and white, but above all the black, mellow and winding, from which human and animal limbs break loose. The white cuts into the shadow with a mantle of chalky graffiti, skin and limestone, to the luminous masses of the final image: perhaps the threshold of a new beginning…”

Il sinuoso andamento della corrente fluviale, lungo l’insieme dei fotogrammi, conferisce una direzione di lettura; all’interno possiamo tuttavia riconoscere delle sotto-direttrici che si reggono su corrispondenze di coppia: il cane bianco e il sacchetto della spesa si rapportano sullo stesso piano strutturale, come pure la donna seduta e la carcassa ossea, o i movimenti “danzanti” di uomo e selace. La visione dell’autrice non può che essere sfrondata da tutta la gamma cromatica che spesso illude l’occhio e la mente: da qui la scelta del bianco e nero, ma soprattutto del nero, pastoso e avvolgente, dal quale si staccano a fatica membra umane e animali. Il bianco incide l’ombra con i graffiti gessosi di manto, epidermide e calcare, fino alle concrezioni luminose dell’immagine finale: forse la soglia di un nuovo inizio…”

Gabriele Croppi was born in Domodossola (Italy) in 1974. He now lives and work in Milan.

www.gabrielecroppi.com

 

Current and future exhibitions of the artist:

Paris, 09/2012, Fundaçao Calouste, EUROPEAN PHOTO EXHIBITION AWARD
Lucca, 11/2012, FBML, EUROPEAN PHOTO EXHIBITION AWARD

Oslo, 04/2013, The Freedom of Expression Foundation, EUROPEAN PHOTO EXHIBITION AWARD

 

All Images Copyright © Gabriele Croppi – Published with permission of the author.

I quote the author: “(…) What interests me is the effect of the methaphysical in our thoughts and on our approach to life. This, in art as well as in photography, means going beyond, it means (that) the meaning and deep essence don’t stop with what we see. I have interpreted urban scenes of some Metropolis, with their obvious architectural, sociological and cultural differences, but with the firm objective to give back to the final image that specific “methaphysical dimension”. I would like to state that the result and contents of my research will not end in the images in which my project is embodied but in the way we could all look at them, filtering them with our subjectivity, with our cultural background, with all the questions, doubts, imagination which follow. The last aim of my artistic research is not that of supplying simple answers to the European Identity theme, but that of becoming aware of the complexity of metaphysical origin, which unites us in our European approach to both art and life. (…)”

Riporto le parole dell’autore: “(…) Ciò che mi interessa, sono gli effetti della metafisica nel nostro pensiero di europei, nel nostro approccio alla vita. Mi interessa la predisposizione al superamento delle apparenze. E questo in arte, in fotografia, significa “andare oltre” i confini fisici dell’opera stessa. Significa riconoscere che il significato non si esaurisce in ciò che vediamo. (…) Ho intrepretato gli scenari urbani di alcune grandi città europee, con le loro evidenti differenze architettoniche, sociologiche e culturali; ma con il fermo obiettivo di restituire alle immagini finali, quella “dimensione metafisica” che ho tentato di introdurre poco fa. Il risultato e i contenuti di questa ricerca non sono esclusivamente racchiusi nelle immagini in cui si concretizza il progetto, ma nel modo in cui tutti noi potremo guardarle, completarle, interpretarle filtrandole con la nostra soggettività, con il nostro background culturale, e con tutte le domande, i dubbi, le fantasie che ne conseguono. Il fine ultimo del mio lavoro non è quello di fornire semplicistiche risposte alla questione che ci siamo posti (l’identità europea), ma è quello di prendere coscienza della complessità interpretativa, di origine metafisica, che ci accomuna nel nostro approccio all’arte e alla vita. (…)”

 

 

Kamil Vojnar was born in the former Czechoslovakia in 1962. He now lives in Venice, California. He is represented by DOWN TO ART in Belgium, VERVE GALLERY in Santa Fe – USA, WALL SPACE GALLERY in Santa Barbara – USA and GALERIE BMG in Woodstock – USA.

www.kamilvojnar.com

 

Next exhibition of the artist: December 7 – January 16 at the OPEN SHUTTER GALLERY in Durango, CO – USA.

 

All Images Copiright © Kamil Vojnar – Published with permission of the author.

I quote a little paragraph written by the artist for the Dutch magazine EYEMAZING, in fall of 2010: “I make only small pictures, no big deal. Small, honest statements about the state of my soul. Why should you care anyway? There are plenty of pictures, anywhere you go. Every time you turn the corner there are pictures, every time you turn to the next page…more pictures. New pictures, old pictures, new pictures just like old pictures. Fresh, cool, hot, dated, contemporary, antiquated. (…) I photograph your face. I move your arm. And, I don’t know why. I print my pictures, I cut them, glue, paint, scratch, glue again, paint again. I don’t know why…”

Riporto una piccola parte da un testo scritto dall’autore per la rivista olandese EYEMAZING: “Creo solo piccole immagini, nessun grande affare. Piccole, oneste dichiarazioni sullo stato della mia anima. Ad ogni modo, perché ti dovrebbe interessare? Ci sono un sacco di immagini, ovunque tu vada. Ogni volta che giri l’angolo ci sono immagini, ogni volta che accedi alla pagina successiva… più foto. Nuove foto, vecchie immagini, nuove immagini come le vecchie immagini. Fresche, fredde, calde, datate, contemporanee, antiquate. (…) Fotografo il tuo viso. Sposto il tuo braccio. E, non so perché. Stampo le mie immagini, le taglio, colla, vernice, graffi, incollo di nuovo, dipingo ancora. Non so perché…”

Ruth Thorne-Thomsen was born in 1943 in New York and now lives in Philadelphia and Moab, Utah.

 

In the “Expeditions and Door” series, as well as “Prima Materia” and “Songs of the Sea”, made between 1976 and 1991, the author has utilized the insertion of objects in front of her pin-hole camera, things like plastic and metal toys, ornaments and trinkets. She calls her photos “environmental collage”. The resulting images feel like poems come to life – credible enough to seem real, yet imaginary enough to seem like dreams.

Nela serie “Spedizioni e Porte”, così come “Prima Materia” e “Canzoni del Mare”, realizzate tra il 1976 ed il 1991, l’autrice ha utilizzato l’inserimento di  oggetti di fronte la sua camera stenopeica, giocattoli di plastica e metallo, decorazioni e bigiotteria. Lei chiama queste foto “collage ambientali”. Le immagini ottenute sembrano storie che diventano realtà, credibili abbastanza da rembrare reali, ma abbastanza immaginarie da sembrare sogni.

 

Until Saturday, November 17th, The “Expeditions and Door” series will be exhibited at the LAURENCE MILLER GALLERY in New York, as part of “Two Of a Mind“: photographs by Ray K. Metzker and Ruth Thorne-Thomsen (presently husband and wife).

 

All images copyright © Ruth Thorne-Thomsen

Thierry Cohen was born in 1963 and lives and works in Paris. He is represented by GalerieEstherWoerdehoff in Paris.

www.thierrycohen.com

The work below “Darkened Cities” will be showed at:

Esther Woerdehoff Gallery – 36 rue Falguière, Paris
From November 8 until December 22 – 2012
Paris Photo, Esther Woerdehoff
November 15 – November 18, 2012
His book Villes éteintes will be published by Marval Publisher.
Date of issue: November 16, 2012
96 pages, 31 plates – 21x30cms, Hardcover

 

All Images Copyright © Thierry Cohen – Published with permission of the author.

I quote a paragraph written by FRANCIS HODGSON: “In Thierry Cohen’s Darkened Cities, we see bright night skies over cities. Actually, what we’re seeing is the opposite. These are the skies that we don’t see. Before these pictures can exist, the sky from one place has to be superimposed upon cityscape from another. It is impossible to see this detail in the night sky above a city. Atmospheric and light pollution combine to make looking into the urban sky like looking past bright headlights while driving. By travelling to places free from light pollution but situated on precisely the same latitude as his cities, Cohen obtains skies which, as the world rotates about its axis, are the very ones visible above the cities a few hours earlier or later. To find the right level of atmospheric clarity, Cohen has to go into the wild places of the earth, the Atacama, the Mojave, the western Sahara.

Riporto un paragrafo scritto da FRANCIS HODGSON: “Nelle ‘Città Oscure’ di Thierry Cohen vediamo cieli notturni luminosi sopra le città. In realtà, quello che stiamo vedendo è l’opposto. Questi sono i cieli che non vediamo. Per fare in modo che quese foto esistessero, il cielo di un luogo è stato sovrapposto al paesaggio urbano di un altro luogo. È impossibile vedere questi dettagli nel cielo notturno sopra una città. L’iInquinamento atmosferico e luminoso si combinano in modo tale che guardare il cielo urbano sia come guardare oltre i fari luminosi durante la guida. Cohen viaggia in luoghi esenti da inquinamento luminoso che si trovano proprio alla stessa latitudine della città che vuole fotografare, ottenendo un cielo che (dal momento in cui il mondo ruota attorno al proprio asse) sarebbe stato lo stesso visibile sopra la città. Per trovare il giusto livello di chiarezza atmosferica, Cohen deve andare a cercare il cielo nei luoghi più selvaggi della terra, dall’Atacama, al Mojave, al Sahara occidentale.

As more and more of the world’s population becomes urban, and as we lose our connection with the natural world, so it becomes plain that damage is caused by light pollution. There may be connections to certain cancers, and there are psychological burdens of permanent day. The ‘city that never sleeps’ is made up of millions of individuals breaking natural cycles of work and repose. Lose sight of the sky, and you become a rat in a lab. Cohen hasn’t simply shown us the skies that we’re missing. His cities look dead under the fireworks display above No lights in the windows, no tracers of traffic. They are (in fact) photographed in daylight, when lights shine out less brightly. In urban mythology the city teems with energy and illumines everything around it. Cohen’s pictures are crafted to say the opposite. These are cold cities, cut off from the seemingly infinite energies above.”

La popolazione del mondo è diventata dempre più ‘urbana’ e si è  man mano persa la connessione con il mondo naturale, facendo risultare normale il danno causato dall’inquinamento luminoso. Ci possono essere collegamenti con alcuni tipi di cancro e ci sono fardelli psicologici del ‘giorno permanente’. La città che non dorme mai è composta da milioni di individui che rompono i cicli naturali di lavoro e di riposo. Perdi di vista il cielo e diventerai un topo in un laboratorio. Cohen ci ha semplicemente mostrato il cielo che ci manca. Le sue città sembrano morte sotto i fuochi d’artificio che si trovano sopra nessuna luce alle finestre e nessun tipo di traffico. Essi sono (in realtà) fotografati in luce diurna, nelle ore in cui le luci brillano meno vivaci. Nella mitologia urbana la città pullula di energia e tutto intorno si illumina. Le immagini di Cohen sono realizzate per dire il contrario. Queste sono città fredde, tagliate fuori dalle energie apparentemente infinite sopra.”

%d blogger hanno fatto clic su Mi Piace per questo: