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Archivio mensile:novembre 2012

Angela Strassheim was born in Bloomfield, Iowa – USA and now lives in Connecticut and works in New York and Israel.

www.angelastrassheim.com

 

Future exhibitions:

The Kids are Alright, Addison Gallery of American Art, Andover, MA, Sept 14 – Jan 5 (2014)

The Kids are Alright, The Weatherspoon Art Museum, Greensboro, NC, May 25 – Aug 18

 

All Images Copyright © Angela Strassheim – Published with permission of the author.

I quote the author: “In my second series, Pause, I explored what it means to be a daughter and examined the complex dramas that reveal themselves in relationships with the father and other male figures of significance.  Many times my inspirations come from my own life experiences. I search for a stand-in, someone that represents myself from my past.

Cito l’autrice: ” Nella mia seconda serie, Pause, ho approfondito cosa voglia dire essere una figlia ed ho esaminato il complesso dramma che si rivela nella relazione con il padre od un’altra figura maschile di rilevanza. Molte volte mi ispiro direttamente dalle mie esperienze. Cerco spesso una controfugura, qualcuno che rappresenti me nel passato.

I choose what to photograph by selecting memories that haunt me in a confusing, disturbing moment of question.  By recreating these events, it allows me to see myself through other people.  I ask myself, “What did that event look like to someone else?” or “How was the other person affected who witnessed the event?”

Scelgo cosa fotografare selezionando i ricordi che mi mettono in confusione, in uno stato inquieto in cui mi pongo domande. Ricreando questi eventi posso vedere me stessa attraverso le altre persone. Mi chiedo: “Quanto questi eventi assomigliano alla storia di qualcun’altro?” o “Come stava l’altra persona che ha assistito all’evento?”

Margherita Cesaretti was born in Assisi (Italy) in 1982. She lives and works in Florence.

www.margheritacesaretti.com

 

The artist’s work will be shown at “Le Mois de la Photo” in Paris, from November 13th to December 1st, at the Paris Hôtel de Sauroy, as part of the “Thanks to Luigi Ghirri – Itaian emerging photography” exhibition.

 

All Images Copyright © Margherita Cesaretti – Published with permission of the author.

I quote a paragraph written by Lorella Klun: “Despite the privations, a dog’s life fitted Diogenes to a ‘t’ because it allowed him not to be subserviant to anyone and to be totally autonomous; thanks to him the appellation cynical (kynikos), an adjective derived from kyon, dog, has characterised an anti-conventional school of thought that, through the centuries and up to the present day, has gathered bands of followers.
‘For The Dogs’, more than a portfoglio, is the visual manifestation of a modern thought that gathers philosophical suggestions from the school of Antisthenes unifying them to our disenchanted and often bitter awareness.

Riporto un paragrafo scritto da Lorella Klun: “A Diogene la vita del cane calzava a pennello, poiché gli consentiva, nonostante le privazioni, di non essere asservito ad alcuno e di agire sempre in piena autonomia; grazie a lui l’appellativo cinico (kynikos), aggettivo derivato da kyon, cane, ha caratterizzato una scuola di pensiero anticonvenzionale che, attraverso i secoli e fino ai nostri giorni, ha raccolto schiere di proseliti. “Pour les chiens” più che un portfolio, è la manifestazione visiva di un pensiero moderno, che raccoglie le suggestioni filosofiche della scuola di Antistene, unendole alla nostra attuale, disincantata e spesso amara consapevolezza.

Picture after picture Margherita Cesaretti unravels her vision of the world through a current that flows, continues and erodes voracious human ambitions, smoothing away pains and desires, making vices and virtues uniform. It is sufficient to change the perspective and that is where man and animal are not masses of cells destined to disintegrate and join together again in the flow of history, deconstructing and reactivating instinctive perceptions, the symbols of spiritual and temporal power lose their subliminal force abandoning themselves in the fog of equivalent characterisitics.

Immagine dopo immagine Margherita Cesaretti dipana la sua visione del mondo, attraverso una corrente che fluisce continua ed erode le voraci ambizioni umane, smussa dolori e desideri, uniforma vizi e virtù. Basta cambiare prospettiva ed ecco che l’uomo e l’animale non sono che ammassi di cellule destinati a disgregarsi e ricombinarsi nel flusso della storia; de-costruendo e “riavviando” le percezioni gestaltiche, i simboli del potere spirituale e temporale perdono la loro forza subliminale, adagiandosi tra le velature di segni equipollenti.

The winding course of the fluvial current alongside the composition of the photograms gives direction to the interpretation; yet we can recognise sub-guidelines within that are of a couple’s harmony: the white dog and the bag of shopping relate to each other on the same structural plain, likewise the seated woman and the bony carcass, or the dance movements of man and shark. The author’s vision cannot but be stripped of all the range of colour that often eludes the eye and the mind: hence the choice of black and white, but above all the black, mellow and winding, from which human and animal limbs break loose. The white cuts into the shadow with a mantle of chalky graffiti, skin and limestone, to the luminous masses of the final image: perhaps the threshold of a new beginning…”

Il sinuoso andamento della corrente fluviale, lungo l’insieme dei fotogrammi, conferisce una direzione di lettura; all’interno possiamo tuttavia riconoscere delle sotto-direttrici che si reggono su corrispondenze di coppia: il cane bianco e il sacchetto della spesa si rapportano sullo stesso piano strutturale, come pure la donna seduta e la carcassa ossea, o i movimenti “danzanti” di uomo e selace. La visione dell’autrice non può che essere sfrondata da tutta la gamma cromatica che spesso illude l’occhio e la mente: da qui la scelta del bianco e nero, ma soprattutto del nero, pastoso e avvolgente, dal quale si staccano a fatica membra umane e animali. Il bianco incide l’ombra con i graffiti gessosi di manto, epidermide e calcare, fino alle concrezioni luminose dell’immagine finale: forse la soglia di un nuovo inizio…”

Gabriele Croppi was born in Domodossola (Italy) in 1974. He now lives and work in Milan.

www.gabrielecroppi.com

 

Current and future exhibitions of the artist:

Paris, 09/2012, Fundaçao Calouste, EUROPEAN PHOTO EXHIBITION AWARD
Lucca, 11/2012, FBML, EUROPEAN PHOTO EXHIBITION AWARD

Oslo, 04/2013, The Freedom of Expression Foundation, EUROPEAN PHOTO EXHIBITION AWARD

 

All Images Copyright © Gabriele Croppi – Published with permission of the author.

I quote the author: “(…) What interests me is the effect of the methaphysical in our thoughts and on our approach to life. This, in art as well as in photography, means going beyond, it means (that) the meaning and deep essence don’t stop with what we see. I have interpreted urban scenes of some Metropolis, with their obvious architectural, sociological and cultural differences, but with the firm objective to give back to the final image that specific “methaphysical dimension”. I would like to state that the result and contents of my research will not end in the images in which my project is embodied but in the way we could all look at them, filtering them with our subjectivity, with our cultural background, with all the questions, doubts, imagination which follow. The last aim of my artistic research is not that of supplying simple answers to the European Identity theme, but that of becoming aware of the complexity of metaphysical origin, which unites us in our European approach to both art and life. (…)”

Riporto le parole dell’autore: “(…) Ciò che mi interessa, sono gli effetti della metafisica nel nostro pensiero di europei, nel nostro approccio alla vita. Mi interessa la predisposizione al superamento delle apparenze. E questo in arte, in fotografia, significa “andare oltre” i confini fisici dell’opera stessa. Significa riconoscere che il significato non si esaurisce in ciò che vediamo. (…) Ho intrepretato gli scenari urbani di alcune grandi città europee, con le loro evidenti differenze architettoniche, sociologiche e culturali; ma con il fermo obiettivo di restituire alle immagini finali, quella “dimensione metafisica” che ho tentato di introdurre poco fa. Il risultato e i contenuti di questa ricerca non sono esclusivamente racchiusi nelle immagini in cui si concretizza il progetto, ma nel modo in cui tutti noi potremo guardarle, completarle, interpretarle filtrandole con la nostra soggettività, con il nostro background culturale, e con tutte le domande, i dubbi, le fantasie che ne conseguono. Il fine ultimo del mio lavoro non è quello di fornire semplicistiche risposte alla questione che ci siamo posti (l’identità europea), ma è quello di prendere coscienza della complessità interpretativa, di origine metafisica, che ci accomuna nel nostro approccio all’arte e alla vita. (…)”

 

 

Andreas Weinand was born in 1958 in Rheine / Westfalen and now lives in Berlin, Germany.

www.andreasweinand.de

COLOSSAL YOUTH (the work below) has been published in a first edition in August 2011at Peperoni Books. In 2013 colossal youth will come in a third edition. Click HERE for more details. His new work ACKER will be published in spring 2013, also at Peperoni Books.

All Images Copyright © Andreas Weinand – Published with permission of the author.

Melanie, Öhner, Stiffel, Limbo, Gero, Anna and her friends are young and live in Essen when Andreas Weinand spends much time with them and takes pictures from 1988 to 1990. While the first episode of the “Simpsons” is broadcasted in the USA, Florence Griffith-Joyner wins three Olympic gold medals in Seoul, the Berlin Wall falls and Tim Berners-Lee invents the World Wide Web, the storm of youth rages within the clique, going full blast. The emotional dizziness in the cosmos of invincibility, love, sex, drugs, alcohol, refusal, crash and resignation is always greater than the world out there.

Melanie, Öhner, Stiffel, Limbo, Gero, Anna ed i suoi amici, tra il 1988 ed il 1990 sono giovani e vivono ad Essen mentre Andreas Weinand decide di trascorrere il suo tempo con loro per fotografarli. Mentre va in onda il primo episodio dei “Simpson” negli Stati Uniti, Florence Griffith-Joyner vince tre medagli olimpiche a Seoul, il muro di Berlino cade e Tim Berners-Lee inventa il “World Wide Web”, la tempesta giovanile infuria andando a tutto volume. Le vertigini emotive nel cosmo dell’invincibilità, amore, sesso, droga, alcohol, rifiuto, scontro e rassegnazione sono sempre meglio del mondo fuori.

 

Yves Marchard & Romain Meffre (born in 1981 and 1987) both grew up in the Paris area. They are represented by TRISTAN HOARE Ltd in London, POLKA GALLERY in Paris and GUN GALLERY in Stockholm.

www.marchandmeffre.com

 

All Images Copiright © Yves Marchard & Romain Meffre – Published with permission of the authors.

The authors explain: “Ruins are the visible symbols and landmarks of our societies and their changes, small pieces of history in suspension. The state of ruin is essentially a temporary situation that happens at some point, the volatile result of change of era and the fall of empires. This fragility, the time elapsed but even so running fast, lead us to watch them one very last time: being dismayed, or admire, making us wondering about the permanence of things. Photography appeared to us as a modest way to keep a little bit of this ephemeral state”.

Gli autori introducono così il loro progetto: “Le rovine sono simboli e punti di riferimento visibili della nostra società e dei suoi cambiamenti, sono come piccoli pezzi di storia sospesa. Lo stato di rovina è essenzialmente una situazione temporanea che avviene in quelche momento, risultato volatile di un cambiamento e della caduta di un impero. Questa fragilità, il tempo trascorso e volato così velocemente, ci permettono di guardare per un’ultima volta con costernazione od ammirazione, meravigliandoci sulla permanenza delle cose. La fotografia ci è parsa come una modo modesto per catturare un po’ di questo stato effimero.

At the beginning of the XXth Century, with the invention of assembly line, Detroit rose as the car capital of the world, becoming the 4th most important city in USA. Motor City literally produced what would forever become the economic, industrial and urban model of our modern societies. But from the 50’s, desindustrialisation and suburbanisation, segregation, social tension, disinvestment turned Motor city into ruin. Detroit went from 2 millions to 900 000 inhabitants. Thus within even 50 years Detroit, one of the richest city, fell from grace to became the most ruined city in the entire western world.”

All’inizio del XX secolo, con l’invenzione della linea di assemblaggio, Detroit divenne la capitale mondiale dell’automobile, diventando la quarta città più importante degli Stati Uniti. Detroit ha letteralmente prodotto quello che sarebbe stato per sempre il modello industriale ed economico delle nostre moderne società. Ma, dagli anni ’50, la disindustrializzazione, la costruzione delle periferie, la segregazione, le tensioni sociali ed il disinvestimento hanno trasformato Detroit in una rovina. La città passò da 2 milioni di abitanti a 900000. Così, in 50 anni, Detroit, una delle città più ricche del mondo, è caduta in disgrazia ed è diventata la rovina più grande di tutto l’occidente.”

Kamil Vojnar was born in the former Czechoslovakia in 1962. He now lives in Venice, California. He is represented by DOWN TO ART in Belgium, VERVE GALLERY in Santa Fe – USA, WALL SPACE GALLERY in Santa Barbara – USA and GALERIE BMG in Woodstock – USA.

www.kamilvojnar.com

 

Next exhibition of the artist: December 7 – January 16 at the OPEN SHUTTER GALLERY in Durango, CO – USA.

 

All Images Copiright © Kamil Vojnar – Published with permission of the author.

I quote a little paragraph written by the artist for the Dutch magazine EYEMAZING, in fall of 2010: “I make only small pictures, no big deal. Small, honest statements about the state of my soul. Why should you care anyway? There are plenty of pictures, anywhere you go. Every time you turn the corner there are pictures, every time you turn to the next page…more pictures. New pictures, old pictures, new pictures just like old pictures. Fresh, cool, hot, dated, contemporary, antiquated. (…) I photograph your face. I move your arm. And, I don’t know why. I print my pictures, I cut them, glue, paint, scratch, glue again, paint again. I don’t know why…”

Riporto una piccola parte da un testo scritto dall’autore per la rivista olandese EYEMAZING: “Creo solo piccole immagini, nessun grande affare. Piccole, oneste dichiarazioni sullo stato della mia anima. Ad ogni modo, perché ti dovrebbe interessare? Ci sono un sacco di immagini, ovunque tu vada. Ogni volta che giri l’angolo ci sono immagini, ogni volta che accedi alla pagina successiva… più foto. Nuove foto, vecchie immagini, nuove immagini come le vecchie immagini. Fresche, fredde, calde, datate, contemporanee, antiquate. (…) Fotografo il tuo viso. Sposto il tuo braccio. E, non so perché. Stampo le mie immagini, le taglio, colla, vernice, graffi, incollo di nuovo, dipingo ancora. Non so perché…”

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