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Archivio mensile:giugno 2012

Luigi Ghirri was born in Scandiano in 1943 and died in Roncocesi in 1992.

 

Luigi Ghirri, who passed away already twenty years ago, is still today one of the most appreciated Italian contemporary artists. He was not only a photographer but in general a big man of culture. His bibliography is quite extensive; his first texts on photography date back to 1973 and have been put toghether with many other texts of his (articles, introduction to his photographic shows, etc) in a book called Niente di antico sotto il sole (Nothing ancient under the sun) (1997). Ghirri had a very special sensitivity when it came to talk about the human being and his surroundings. In a text of 1984 he affirms “Beyond the description and ilustration purpose of photography, it is a way of observing and depicting places, objects, the faces of our time; but not just to define and classify them, but to discover and construct immages which then become new possibilities of perception”. In regards to his immages, his landscapes are sort of floating in the air, not realistic, kind of methaphysic, lacking the physical human presence but not the effect of human intervention. He left behind a huge legacy of poetic immages and a hefty documentation of the Emilia Romagna, the Pianura Padana and of Italy as a whole. Ghirri was definitely an avanguard artist, one of the few Italians from the 70’s and the 80’s who was up there at the same pace and speed with the most meaninful artistic American and European currents. Today many people is shooting under his style and under his inspiration (conscious or unconsciously). Today I felt like making a small tribute to this great Italian artist. Enjoy!

PS Next week is the opening of the “Les Rencontres d’Arles” (at Arles, Provence, France), one of the greatest photographic events of the year worldwide. Luckily I will be there, hope to see you there as well!

Luigi Ghirri, scomparso ormai da venti anni, rimane tuttoggi uno degli artisti italiani più stimati. Non è stato solo un fotografo, ma anche un grande uomo di cultura. La sua bibliografia è molto lunga; i suoi primi scritti sulla fotografia risalgono al 1973 e sono raccolti insieme a tutti gli altri redatti come introduzioni ai suoi lavori fotografici, presentazioni di mostre ed articoli su quotidiani nel bel libro Niente di antico sotto il sole, Ed. SEI 1997. Aveva una sensibilità molto particolare nel trattare il tema del rapporto tra uomo e ambiente che lo circonda. In uno scritto del 1984 afferma: “Al di là degli intenti descrittivi ed illustrativi, la fotografia si configura così come un metodo per guardare e raffigurare i luoghi, gli oggetti, i volti del nostro tempo, non per catalogarli o definirli, ma per scoprire e costruire immagini che siano nuove possibilità di percezione”. Per quanto riguarda le sue fotografie invece, i suoi paesaggi sono quasi sempre sospesi, non realistici, per certi versi metafisici, spesso privi di figure umane ma mai privi dell’intervento dell’uomo sul paesaggio. Ci ha lasciato in eredità una meravigliosa poetica dell’immagine e una corposa documentazione della sua Emilia Romagna, sulla Pianura Padana e sull’Italia tutta. Ghirri è stato un artista all’avanguardia, uno dei pochi italiani che negli anni ‘70 e ’80 è stato al passo con le più vaste e ‘libere’ correnti artistiche europee e americane. Oggi sono tanti a fotografare sotto l’ispirazione del suo grande lavoro, e voglio anche io oggi rendergli un piccolo omaggio.
 
PS: Vi ricordo che la prossima settimana inizia “Les Rencontres d’Arles”, ad Arle, (Provenza – Francia). E’ il festival della fotografia più importante d’Europa, io ci sarò, spero di incorntrarvi là…

 

All Images Copyright © Luigi Ghirri

Olivo Barbieri was born in Carpi in 1954. He is an Italian artist and photographer of urban environments. He is represented by the Yancey Richardson Gallery of New York.

www.olivobarbieri.it

For those in Italy until July 28th, I strongly reccomend not to miss the opportunity to visit the beautiful exhibition of the artist at the Galleria Massimo Minini at Brescia.

Fino al 28 luglio, consiglio a chi si trova in Italia, di andare a vedere la bellissima esposizione dell’artista alla Galleria Massimo Minini di Brescia.

 

Since the end of the 70’s with his project “Flipper” (Pinball machines), Olivo Barbieri has been considered worldwide as one of the great and most innovative Italian contemporary photographers. Amongst many other things, he was one of the ones to start working with the aerial tilt-shift technique, one that gives the impression of being watching miniatures as oppossed to real life, large scale landscapes. This technique simulates the effect of the depth of field of the macro photography. By tilting the lens angle respective to the rear surface of the camera you creat a gradual defocusing in the edges of the picture. Barbieri has used this technique to photograph more than 30 cities or places all over the world. His research focuses on the topic of virtual versus real, of vision versus representation, of mutating versus static nature of the places. On his own words: “I believe places are always being modified, always changing form, always changing dimensional relations. This gives the hope to always learn or realize that in that place there might be much more or very different than what we saw before, there is always something else…The different experiences I have lived have made me understand there is different ways of living, of building cities, of planning our way of spending our time on earth. We have always considered the world as something definite, that has always been, that will always be. I have understood it is not so”. Today I am proudly featuring Barbieri’s “site specific_JORDAN 04”. Enjoy!

Sin dalla fine degli anni ’70 con il progetto “Flipper”, Olivo Barbieri è stato e continua ad essere uno dei più innovativi fotografi contemporanei italiani, che con le sue opere ha ampiamente svalicato i confini nazionali. Successivamente, è stato il primo ad incentrare una ricerca sui “tilt and shift” aerei, una tecnica fotografica che ritrae paesaggi reali dall’alto facendoli apparire come plastici o miniature. Questa tecnica simula la profondità di campo della fotografia macro: si inclina l’angolo della lente sul piano posteriore della fotocamera e si crea così una sfocatura graduale nella parte superiore e nei bordi inferiori (o nei bordi sinistro e destro) dell’immagine ripresa. Barbieri ha fotografato con questa tecnica più di trenta città o luoghi del mondo. La sua ricerca si concentra sui temi del reale e del virtuale, della visione e della rappresentazione, della staticità e della mutevolezza dei luoghi. E’ l’autore stesso che ci dice: “Credo che i luoghi si modifichino, cambino di forma, cambino i rapporti dimensionali. Questo dà la speranza di imparare ancora, di vedere che in quel luogo, effettivamente, non c’è tutto quello che credevi ci fosse, ma c’è anche altro. (…) Le diverse esperienze vissute mi hanno portato a capire che ci sono diversi modi di vivere, di costruire città, di progettare un modo di stare sulla terra. Noi abbiamo sempre creduto che il mondo fosse definitivo, che ci fosse sempre stato e che sempre ci sarà. Ho capito che non è vero”. Oggi ripropongo qui “site specific_JORDAN 04”. Enjoy

 

All Images Copyright © Olivo Barbieri – Published with permission of the author

Meike Nixdorf, born 1976 in Mainz, Germany, is a Berlin based photographer and artist.

www.meikenixdorf.com

 

The question about perspective can be extrapolated to many if not all the aspects of our lives since it has to do with our own perception of things. Meike Nixdorf has used the famous volcano El Tide (in Tenerife, in the Canary Islands) to move forward in her own research. Her landscapes are incredibly beautiful and this is what she has to say about her project: “In the Orbit of El Teide”, 2010-2011, is a visual and psychological approach to the notion of the perspective. Since my 2009 project, “The Point of View”, I have been looking at various aspects of the viewing process and, consequently, decision making in photography, in terms of the perspective and, even more so, the framing. I’ have also been examining the consequences these processes have on the way we perceive specific places by showing them each in multiple, but very similar views.“ In the Orbit of El Teide” now focuses on the question of what can be seen, or how much information can be gathered, from only one single point of view, versus the information, visual or abstract, one could gather by orbiting an object, question or focus point. In this way, two different points of view of the same subject matter could differ in their look or feel tremendously, and might not even be recognized as the same subject matter anymore. Like pieces in a puzzle, every image from “In the Orbit of El Teide” holds different visual aspects of the same subject, in this case the mountain El Teide. But other than a piece in a puzzle, each image appears to strongly stand on its own.  And it is only through looking at these images one-by-one that one realizes how much more information, visual aspects, perspectives or stories-to-be-told there are to just one single mountain—or to any subject matter, basically.” Enjoy.

La questione della prospettiva è estendibile in tanti ambiti della nostra vita, se non addirittura in tutti, dato che riguarda precisamente la notra percezione delle cose. Meike Nixdorf  ha utilizzato il famoso vulcano di Tenerife per portare avanti la sua ricerca. I suoi paesaggi sono bellissimi e questo è quanto ci racconta sul suo progetto:  “In the Orbit of El Teide”, 2010-2011, è un approccio visuale e psicologico alla nozione di prospettiva. Sin dal 2009 con il mio progetto “The point of wiew” (Il punto di vista), ho ricercato vari aspetti del processo visivo che, in fotografia, ho tradotto in termini di prospettiva e inquadratura. Ho anche esaminato le conseguenze che questi processi hanno nel modo di percepire specifici luoghi, mostrati in molteplici ma similari visioni. “In the orbit of El Teide” si concentra sulla questione di ‘cosa può essere visto’ e sulla quantità di informazione che può essere raccolta da un unico punto di vista, contro l’informazione, visiva o astratta, che si potrebbe raccogliere orbitando intorno ad un oggetto, ad una domanda od un punto di messa a fuoco. In questo modo, due punti di vista di uno stesso soggetto potrebbero fare apparire lo stesso, estremamente differente sia nell’aspetto che nel sentimento, al punto da non essere più riconosciuto come lo stesso oggetto. Come pezzi in un puzzle, ogni imagine di “In the orbit of El Teide” contiene diversi aspetti visivi dello stesso soggetto, in questo caso la montagna El Teide; ma diversamente dai pezzi di un puzzle, ogni immagine sembra vivere da sola. E’ solo guardando queste immagini una per una che ci si rende conto di quante informazioni, aspetti visivi, prospettive o storie raccontate coesisoto in una sola montagna — o fondamentalmente, in qualsiasi cosa.” Enjoy.

 

All Images Copyright © Meike Nixdorf – Published with permission of the author.

Aline Smithson was born in Los Angeles, California.

www.alinesmithson.com

www.lenscratch.com

 

I love the humor of this work, “Portrait of the Painter’s Mother”, I find it very sweet. I quote a paragraph written by the artist: “I created a set in my garage and I asked my 85-year-old mother to be my model. She did not understand what I was up to, but it allowed us to spend time together and that was important to both of us. My mother was very fragile at the time. She was in an out of the hospital during those years, and sometimes I had to wait for her health to improve so we could continue. As a model she often wanted to be dramatic in the images, and I had to tone her down. My favorite shoot was recreating the geisha image. She kept laughing as I was trying to focus and I had to tell her to stop smiling so much. When I finally was able to focus on the whole image, I realized that she was giving me the finger. I printed that one for myself. As I progressed with the series, it become more meaningful, especially because I was bringing joy and laughter into our lives when there was plenty to cry about. I was amazed at how well my mother embodied each character, and I was still able to capture her elegance, humor, and willingness to try anything. Each time I repaint one of the photographs, I think about her and I see the whole process of this project as a gift, allowing me time to reflect on our collaboration. My mother died before she was able to see the finished product. She would be amazed that people all over the world have seen and love this work. I too am amazed that these funky sets, built against my garage, opened the door to the world of photography. Personally, I consider that magic.” I consider it magic too…enjoy.

Adoro il senso dell’umorismo di questo lavoro, lo trovo molto dolce. Riporto un paragrafo scritto dall’artista: “Ho creato un set nel mio garage e ho chiesto a mia madre di 85 anni di essere la mia modella. Lei in realtà non capì bene cosa volessi fare, ma accettò da passare un po’ di tempo insieme, e questo fu un bene per entrambe. Mia madre era molto fragile al tempo. Entrava ed usciva dagli ospedali in quegli anni, a volte ho dovuto aspettare che la sua salute migliorasse per continuare il lavoro. Come vera modella, cercava di essere il più drammatica possibile nelle immagini, ho dovuto calmarla a volte. Il mio scatto preferito è stato quello della geisha. Lei continuava a ridere al punto che dovetti chiederle di smettere. Quando finalmente riuscii mettere a fuoco l’intera imagine, mi resi conto che mi stava facendo il “ditone”. Quell’immagine l’ho stampata per me. Dal momento che la serie continuava ad andare a vanti, tutto cominciò a prendere più significato, perchè stava portando gioia e risate alle nostre vite, quando in realtà ci sarebbe solo stato che piangere. Ero affascinata da come mia madre riusciva ad interpretare ogni personaggio, sono stata capace di catturare la sua eleganaza, il suo umorismo e la sua disponibilità nel provare ogni cosa. Ogni volta che ridisegno una delle fotografie, ripenso a lei e vodo tutto il processo di questo lavoro come un dono che mi ha dato modo di riflettere sulla nostra collaborazione. Mia madre morì prima di poter vedere il prodotto finito. Sarebbe stata entusiasta nel sapere che tanta gente l’ha visto e apprezzato. Anche io sono stupita che questi buffi set, costruiti nel mio garage, mi aprirono le porte al mondo della fotografia. Personalmente, lo considero magico.” Enjoy.

 

All Images Copyright © Aline Smithson – Published with permission of the author.

Alban Lécuyer was born in 1977 in Paris. He’s represented by WALL30 Gallery.

www.albanlecuyer.weebly.com

 

Can contemporary cities project themselves in some sort of tangible future? Are places transformed in conformity with the architects plans and with the artists visions destined to promote luxury housing projects? The computer-generated images posted on construction sites have inherited their codes from marketing strategies. It is not just about one product being sold but also about the promise that a newly invented architecture or a new traffic plan can give birth to a new city with few vehicles and few pets, with mainly white, female and fair-haired people moving about in a ‘capsular’ 1 society in which architecture has brought about its own isolated environment, circumscribed to the sole limits of a building or the portion of a road. Contrasts are light, and shadows, which are the symbols of doubt and uncertainty, reduced to a minimum. All there is between the spectator and the project – trees, vehicles, passers-by and so on – are shown in transparency. It is a valueless representation of reality with no dead angles and where people seem partially away from the set. The HERE SOON series offer to transpose an actual everyday place and an ordinary way of living in the city into the aesthetics of those stylized perspectives. The images show graffiti on walls, clothes or satellite dishes on windowsills, abandoned objects on pavements, worn out spaces – all of which indicate that civilizations produce traces and leave footprints on the spaces that they occupy. (…) The HERE SOON series point implicitly at the commonplace statements of a disembodied and dispirited architecture which is more and more cut out from the spaces in which it supposed to take place.

Le città contemporanee possono proiettarsi in una sorta di futuro tangibile? I piani degli architetti con le visioni degli artisti, sono davvero destinati a promuovere progetti abitativi di lusso? Le immagini generate dai computer e pubblicate sui siti di costruzione, hanno ereditato i loro codici da strategie di marketing. Non si tratta solo di un prodotto venduto, ma anche della promessa che un’architettura appena inventata od un nuovo piano stradale possa dar vita ad una nuova città con pochi veicoli e pochi animali domestici, con persone prevalentemente bianche, donne e bionde, che si muovono in una  società ‘capsula’ in cui l’architettura ha portato il proprio ambiente isolato, circoscritto ai limiti di un edificio unico o della porzione di una strada. Le luci e le ombre, simboli di dubbio e incertezza, sono ridotti al minimo. Tutto quello che c’è tra lo spettatore e il progetto – alberi, veicoli, passanti e così via – è mostrato in trasparenza. È una rappresentazione non significativa della realtà, senza angoli morti, e dove le persone sembrano parzialmente lontane dal set. La serie HEERE SOON (Qui Presto) offre di trasporre un luogo reale di tutti i giorni ed un ordinario modo di vivere in città, nell’estetica di quelle prospettive stilizzate. Le immagini mostrano i graffiti sui muri, vestiti o antenne paraboliche sui davanzali, oggetti abbandonati sui marciapiedi, spazi usurati – i quali indicano che la civiltà produce tracce e lascia impronte sugli spazi che occupa. (…) La serie HERE SOON punta a mostrare un’architettura disincarnata e scoraggiata, che è sempre più tagliata fuori dagli spazi in cui suppone di prendere posto.

 

All Images Copyright © Alban Lécuyer – Published with permission of the author.

Todd Hido was born in 1968 in Ohio. He is Currently based in San Francisco. Represented by Edge Reps Photoagency, Stephen Wirtz Gallery in San Francisco, Rose Gallery in Santa Monica, Bruce Silverstein in New York and Baldwin Gallery in Aspen.

www.toddhido.com

 

Todd Hildo is a famous American photographer. His images show us a piece of America we all have more or less stereotyped in our minds; déjà vu of so many films seen. There is actually something very cinematographic about the pictures of this author. As a matter of fact I can very well imagine each one of his long exposures as the first or the last imagine of a David Lynch film. The sceneries of these pictures are desolated suburbs, empty spaces, nameless periphery areas, the feeling of finding yourself in the middle of nowhere. But also his series of indoors pictures tell us about empty spaces; the human presence is only perceived ghostly, as a recent passage: doors left ajar, used bed clothing, upside down chairs, abandoned rooms… The motel photos show perfectly those images I have engraved in my mind of those places I have never been to but that are so familiar. Hido’s images have a special light and a glare that seems to come out from his pictures; I would love to see big, huge prints of them, and let me be carried away into his silent landscapes. Don’t you?

Todd Hido è un famoso fotografo americano. Le sue immagini ci mostrano un spaccato dell’America che tutti più o meno abbiamo stereotipata in mente, memoria di tanti film che abbiamo visto. C’è infatti qualcosa di cinematografco nelle fotografie di questo grande artista; posso immaginare ognuna delle sue lunghe esposizioni come prima o ultima immagine di qualche lungometraggio di David Linch. I soggetti sono sobborghi desolanti, spazi vuoti, periferie senza nome, la sensazione di ritrovarsi nel mezzo del nulla. Anche le sue serie di interni ci raccontano di spazi vuoti; la presenza umana si percepisce solo come recente passaggio: porte socchiuse, biancheria sgualcita, sedie capovolte e stanze abbandonate. Gli scatti dei motel mi restituiscono l’mmagine perfetta dell’idea che ho di essi…pur non avendone mai visto uno dal vivo. Le immagini di Todd Hido hanno una luce ed un bagliore che sembra uscire dalle foto…vorrei vederle stampate grandissime, per lasciarmi trasportare nei suoi paesaggi silenziosi. E voi?

 

All Images Copyright © Todd Hido – Published with permission of the author.

Sonja Braas was born in Siegen, Germany. She lives and works in New York.

www.sonjabraas.com

 

Last weekend I was at Fano, in the Adriatic coast of Italy, attending a photography event called “Nella propria stanza” (“In your own room”), organized by a nice group of passionate people called Centrale Fotografia. During the event there were different talks about work developed in the artist’s own space and about magical realities built from scratch on tabletops (see my previous postings on Paolo Ventura -who was a guest speaker at Fano- and on Lori Nix). Today I would like to add another name to the list of artist who follow this fascinating style if we can call it so. Sonja Braas, differently from the above-mentioned artists, focuses on the mighty power of nature, and she makes it in such an splendid way that it becomes completly irrelevant that hers are small scale reproductions. There is something beyond one’s grasp in her immages that reminds me of certain litterary passages of Giacomo Leopardi. As a matter of fact Sonja presents to us a sublime nature, almost romantic (in the historic sense of the term) that drags us to reflect of terms like infinite, immense and absolute. Too difficult and ambitious for me to try to go deeper into these thoughts here. Better enjoy her beautiful work which, for the curiosity of those technique freaks, was made all in film. Enjoy

Questo week-end sono stata a Fano in occasione dell’evento “Nella propria stanza” organizzato da un bel gruppo di appassionati chiamato Centrale Fotografia, nel quale si discuteva di lavori realizzati in studio e di realtà costruite da zero sopra un tavolo, come nei casi che vi ho già proposto pochi giorni fa di Paolo Ventura (uno degli ospiti dell’evento) e Lori Nix. Oggi voglio aggiungere un altro nome a questo affascinante genere fotografico, sempre che di ‘genere’ si possa parlare. Sonja Braas a differenza dei due nomi citati prima, mette in scena la forza indomabile della natura, e lo fa con una perfezione tale da rendere quasi superfluo il fatto che le sue siano riproduzioni in scala. C’è un qualcosa di inafferrabile nelle sue immagini che mi ricorda certi passaggi letterari di Giacomo Leopardi. Sonja infatti ci presenta una natura sublime, quasi romantica (nel senso storico del temine), che ci fa riflettere sui temi dell’infinito, dell’immenso e dell’assoluto. Troppo complicato ora dilungarmi qui su questo tema. Godetevi il suo lavoro, che (per i curiosi della tecnica) è stato realizzato completamente in analogico. Enjoy.

 

All Images Copyright © Sonja Braas – Published with permission of the author.

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