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Swiss-Italian, born in 1971, educated in Italy and Switzerland, where he lives and works as graphic designer and photographer. He is represented by GALLERIA CONS ARC, SOPHIE MAREE GALLERY and GALERIE ESTHER WOERDEHOFF.


Christian Tagliavini is a quite versatile artist. Not only he has photographed the beautiful charachters you see below, he has also created the high quality dresses they are wearing. The artist, who describes himself as a craftsman, makes stage sets, designes tapestries…in fact he is one of those artists for which the actual taking of the picture is the very last button in the creative process. “1503” is the name of this series of evident renaissance inspiration (with a particular focus on il Bronzino paintings). The pictoric tone in photography is a quality I have always admired, as for me it shows the mastering of the technique, specially the illumination. In this case the depicted charachters did not exist, they were made up by Christian. They are product of his fantasy and they are all set in a very specific but at the same time quite vast chronological and geographical period of time. Creativity is one of Tagliavini’s trademarks in all his works. As usual I can only give my compliments and be thankful for giving us his great work. Enjoy!

Christian Tagliavini è un artista dalle molteplici capacità: non solo ha fotografato i bellissimi personaggi che vedete sotto, ma ne ha addirittura realizzato i vestiti, di qualità grafica ed artigianale indiscutibile. L’artista stesso si definisce artigiano, realizza le scenografie, disegna le tappezzerie…è uno di quegli artisti che considera lo scatto fotografico solo l’ultimo e piccolo tassello del processo creativo. “1503” è il titolo di questa serie di evidente ispirazione rinascimentale, con un particolare riguardo ai dipinti del Bronzino. La resa ‘pittorica’ nelle immagini fotografiche è una qualità che ho sempre apprezzato, segno di grande padronanza del mezzo e della luce. I soggetti delle foto non sono persone realmente esistite, ma sono personaggi di fantasia ambientati in un determitato ma vasto periodo storico ed in un luogo non ben definito dell’Europa del tempo. La creatività è un marchio fondamentale in tutte le opere dell’autore, e io come sempre non posso fare altro che complimentarmi per questo. Buona visione a tutti!


All Images Copyright © Christian Tagliavini – Published with permission of the author.

Laurent Chehere was born and lives in Paris.


Laurent Chehere has a background in the advertising sector which can be told because some elements from that style prevail throughout his photographic work regardless of the fact that, photographywise, has tried many ways, from reportage to conceptual. I strongly reccomend to visit his website as the variety of his subjects and the quality of his work go well be yond what is shown here. Today I am featuring a work of his called “Flying houses” which will be shown next October at the “Pingyao 2012” festival in China as well as in the next edition of “Paris Photo” in the French capital. These are extremely creative images and esthetically very well executed. The concept of decontextualization of objects is certainly not new, however it continues to pose a great oportunity to make up interesting creations like in this case. Last April I presented a work called  “No way home” by Rafa Zubiria. It’s probably interesting to compare both approaches side by side and see how, regardless of a similar subject, creativity and styles have no limits. Enjoy!

Laurent Chehere ha avuto un passato nel settore pubblicitario e nonostante abbia poi esplorato diversi generi fotografici, dal reportage all’immagine concettuale, certe caratteristiche estetiche dell’immagine commerciale continuano a permeare tutto il suo lavoro. Consiglio vivamente di visitare il suo sito, in quanto l’eterogeneità dei soggetti e la qualità delle immagini vanno ben oltre al lavoro qui esposto. Oggi presento un progetto chiamato “Flying Houses” che sarà esposto il prossimo ottobre al Festival Internazionale di “Pingyao 2012” in Cina e alla Fiera internazionale di “Paris Photo 2012” nella capitale francese. Sono immagini molto creative ed esteticamente ben realizzate; il concetto della decontestualizzazione degli oggetti non è più nuovo in fotografia e nell’arte in generale, ma continua ad offrire grandi opportunità di costruire ‘oggetti’ interessanti, come in questo caso. Lo scorso aprile avevo già affrontato un tema simile con un progetto intitolato “No way Home” di Rafa Zubiria, vi invito a guardarlo di nuovo e riflettere sul fatto che una realizzazione innovativa (nel caso di entrambi i fotografi) non deve per forza coincidere con un soggetto innovativo. Enjoy.


All Images Copyright © Laurent Chehere – Published with permission of the author.

Kate Stone was born in 1988 in Ambler, Pennsylvania. She currently lives in Brooklyn, NY.


Today’s project is one of those where the main subject is actually the author’s creativity, which is something I always appreciate. Although Kate Stone is very young, she seems to have already found her way. This project, called “At the seams”, is made by a series of images which are themselves made of bits and pieces of other images. This is about architecture in general and in particular about the interiors of different rooms. The result is a mix of disequilibrium and confusion which is a result of distorted perspectives and wrong dimensional proportions. It is quite fun try to move through these spaces getting an overwhelming feeling of  dizziness and confusion. This is what Kate says  about her own project:” In “At the Seams” I used photographs of domestic interiors and common architecture to construct impossible, uncanny spaces that evoke a feeling of hesitant curiosity, a nervous desire to explore the room, to peek around the bend or to see what lies behind the door at the end of the hall. Our acceptance of photography as reality makes these images hard to understand, especially for those who know the original place. At first glance the rooms and buildings in these photographs appear real. Upon closer examination, however, something is clearly wrong. Doorways are misplaced and once rigid walls are twisted and torn. Distorted perspective creates incongruent angles and improbable shadows. These spaces are literally falling apart at the seams.”

Il progetto di oggi è uno di quelli in cui a fare da protagonista è la creatività dell’artista, aspetto che apprezzo sempre molto. Kate Stone è giovanissima eppure sembra già aver trovato la sua strada. Questo progetto, intitolato “At the Seams” (Alle Cuciture), è un insieme di foto a loro volta composte da ritagli di diverse immagini. I soggetti sono interni di abitazioni ed architetture. Il risultato è un mix di squilibrio e disorientamento creati da prospettive spezzate e rapporti dimensionali errati. E’ divertente cercare di percorrere questi spazi, la sensazione è quella di barcollare a destra e sinistra in stato confusionale…questo è ciò che dice l’artista sul suo progetto: “ In “At the Seams” (Alle Cuciture) ho usato fotografie di interni domestici e di architetture comuni per costruire spazi impossibili, perturbanti, che evocano una sensazione di curiosità esitante, un nervoso desiderio di esplorare la stanza, di sbirciare dietro l’angolo o per vedere cosa si nasconde dietro la porta alla fine del corridoio. La nostra accettazione della fotografia come realtà rende queste immagini difficili da capire, specialmente per coloro che conoscono il luogo originale. A prima vista, le camere e gli edifici di queste fotografie appaiono reali. Dopo un esame più attento, tuttavia, qualcosa è chiaramente sbagliato. Le porte sono fuori luogo e quelle che una volta erano rigide pareti ora sono contorte e strappate. La prospettiva crea angoli incongruenti e ombre improbabili. Questi spazi stanno letteralmente cadendo a pezzi nelle cuciture.”


All Images Copyright © Kate Stone – Published with permission of the author.

Aline Smithson was born in Los Angeles, California.


I love the humor of this work, “Portrait of the Painter’s Mother”, I find it very sweet. I quote a paragraph written by the artist: “I created a set in my garage and I asked my 85-year-old mother to be my model. She did not understand what I was up to, but it allowed us to spend time together and that was important to both of us. My mother was very fragile at the time. She was in an out of the hospital during those years, and sometimes I had to wait for her health to improve so we could continue. As a model she often wanted to be dramatic in the images, and I had to tone her down. My favorite shoot was recreating the geisha image. She kept laughing as I was trying to focus and I had to tell her to stop smiling so much. When I finally was able to focus on the whole image, I realized that she was giving me the finger. I printed that one for myself. As I progressed with the series, it become more meaningful, especially because I was bringing joy and laughter into our lives when there was plenty to cry about. I was amazed at how well my mother embodied each character, and I was still able to capture her elegance, humor, and willingness to try anything. Each time I repaint one of the photographs, I think about her and I see the whole process of this project as a gift, allowing me time to reflect on our collaboration. My mother died before she was able to see the finished product. She would be amazed that people all over the world have seen and love this work. I too am amazed that these funky sets, built against my garage, opened the door to the world of photography. Personally, I consider that magic.” I consider it magic too…enjoy.

Adoro il senso dell’umorismo di questo lavoro, lo trovo molto dolce. Riporto un paragrafo scritto dall’artista: “Ho creato un set nel mio garage e ho chiesto a mia madre di 85 anni di essere la mia modella. Lei in realtà non capì bene cosa volessi fare, ma accettò da passare un po’ di tempo insieme, e questo fu un bene per entrambe. Mia madre era molto fragile al tempo. Entrava ed usciva dagli ospedali in quegli anni, a volte ho dovuto aspettare che la sua salute migliorasse per continuare il lavoro. Come vera modella, cercava di essere il più drammatica possibile nelle immagini, ho dovuto calmarla a volte. Il mio scatto preferito è stato quello della geisha. Lei continuava a ridere al punto che dovetti chiederle di smettere. Quando finalmente riuscii mettere a fuoco l’intera imagine, mi resi conto che mi stava facendo il “ditone”. Quell’immagine l’ho stampata per me. Dal momento che la serie continuava ad andare a vanti, tutto cominciò a prendere più significato, perchè stava portando gioia e risate alle nostre vite, quando in realtà ci sarebbe solo stato che piangere. Ero affascinata da come mia madre riusciva ad interpretare ogni personaggio, sono stata capace di catturare la sua eleganaza, il suo umorismo e la sua disponibilità nel provare ogni cosa. Ogni volta che ridisegno una delle fotografie, ripenso a lei e vodo tutto il processo di questo lavoro come un dono che mi ha dato modo di riflettere sulla nostra collaborazione. Mia madre morì prima di poter vedere il prodotto finito. Sarebbe stata entusiasta nel sapere che tanta gente l’ha visto e apprezzato. Anche io sono stupita che questi buffi set, costruiti nel mio garage, mi aprirono le porte al mondo della fotografia. Personalmente, lo considero magico.” Enjoy.


All Images Copyright © Aline Smithson – Published with permission of the author.

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