Ulrich Lebeuf was born in 1972. He works and lives in Toulouse.

www.ulrichlebeuf.fr

 

The project I am presenting today is called “Antonyme de la pudeur”. I quote part of a paragraph written by Christian Caujolle: “(…) Ulrich Lebeuf, on his side, claims, in a brillant way, that photography is here to evoke not to describe. (…) By his look, isolating a detail, the photographer transforms it into a sign and reveals it as an object of interpretation and a starting point of a « story » that we build in a freedom he limits however by the edges of his rectangle. A blond wig left on a red bed, for example. (…) On the other hand, the recourse to the out-of-frame as a crucial element in the organization of the point of view : what is not shown becomes more important than what is represented. This practice is not new and we know how the film industry, even more radically than the photography, has taken over that possibility about the out-of-frame and has used it in a way to tell a lot about or in a way to trick tremendously. Then, it is hardly any important that those images have been made during the shooting of erotic or pornographic movies. This is just an extra game, which question about erotism ; an old question regarding the fact that revealing is often able to, shattering the mystery, reach the fantasy and end the desire. Though, there is, at the opposite of all that could be shabby and distressing in pornographic films, a sort of jubilation, about life and wink of an eye in that piece of work. He reveals that, thought that way, photography has a sens. It obliges us to think about watching and seeing truly. It is not so common nowadays.”

Il progetto che presento oggi si intitola “Antonyme de la pudeur”. Riporto parte di un paragrafo scritto da Christian Caujolle: “(…) Ulrich Lebeuf da parte sua, dimostra in maniera brillante che la fotografia è qui per evocare e non per dimostrare. (…) il suo sguardo, isola il dettaglio e lo trasforma in un segno che si rivela come oggetto di interprestazione e punto di inizio di una storia; storia che noi costruiamo liberamente all’interno dei limiti del suo rettangolo. Una parrucca bionda lasciata in un letto rosso, per esempio. (…) poi c’è il ricorso al fuori-scena come elemento cruciale nell’organizzazione del punto di vista: quello che non è mostrato diventa più importante di quello che è rappresentato. Questa pratica non è nuova, e sappiamo come l’industra cinematografica, anche più di quella fotografica, abbia ripreso tale possibilità per raccontare molto o per ingannare tremendamente. Quindi, non è in nessun modo importante il fatto che queste immagini siano state scattate durante la ripresa di film pornografici. E’ solo un gioco in più che ci pone domande sull’erotismo; come la vecchia questione sul fatto che il mettere in mostra, distruggendo il mistero, esaurisce la fantasia e il desiderio. Però, al contrario dello squallido e dell’angosciante che potrebbe trasparire da un film pornografico, c’è qui una sorta di esultanza alla vita. Egli rivela che in questo modo la fotografia ha un senso. Ci obbliga a pensare se quello che guardiamo è vero, e questo non è così comune al giorno d’oggi.”

 

All Images Copyright © Ulrich Lebeuf – Published with permission of the author.

Born in 1979, Wolfram Hahn lives and works in Berlin.

He won the 2nd prize of the ‘World Press Photo 2011′ in the section ‘Portrait Stories’, with his work ‘Into the Light’.

www.wolframhahn.de

 

The project I am presenting to you today is called “A disenchanted playroom”. The children shown in this series are watching television. These portraits record the precise moment in which the children, between 3 and 12 years old, show absolutely no impulse or emotion. Engulfed, entranced, the children are no longer active individuals. Rather, they have become passive, fully abandoning themselves to the child-oriented programming playing on the television in front of them.

Il progetto che presento oggi si chiama “A disenchanted playroom (una sala giochi disincantata)”I bambini mostrati in questa serie stanno guardando la TV. Questi ritratti sono stati ripresi nel preciso momento in cui i bambini, tra i 3 e i 12 anni, hanno iniziato a non mostrare più nessun impulso od emozione. Inghiottiti e rapiti, i bamini non sono più individui attivi. Piuttosto, sono diventati passivi, completamente abbandonati ai programmi per bambini che girano nella televisione di fronte a loro.

 

All Images Copyright © Wolfram Hahn – Published with permission of the author.

Eric Pillot lives and works in Paris.

www.ericpillot.com

 

The project I am presenting to you today is called “In Situ” and is one which has achieved great success. The main subjects in this case are exotic animals living in zoo cages or confinement spaces. I love the language the author has used to represent his scenes. His immages are so static that they seem to me as scenes of a natural science museum. I am not quite sure if Eric Pillot had the intention of speaking out against the captivity contidions of these animals, I however do not get a feeling of violence, abuse or anything like that. Instead what comes to my mind are scenes from paintings of Rousseau (a painter I love). I would love to hear your own feelings. Enjoy!

Il progetto che presento oggi è intitolato “In Situ”, ed è un lavoro che ha già riscosso molto successo. I soggetti di queste foto sono animali esotici all’interno di uno zoo (o perlomeno qualcosa di simile). Mi piace molto il ‘linguaggio’ che ha usato il fotografo per rappresentare le sue scene. Le sue immagini sono talmente statiche da sembrare quasi diorami di un museo delle scienze naturali. Non so se Eric Pillot aveva intenzione di denunciare la condizione desolante di queste creature, ma la sensazione che provo di fronte queste immagini non è né di violenza, né di sfruttamento o cose simili. Mi vengono in mente piuttosto certe assonanze con qualche quadro di Rousseau (pittore che tra l’altro apprezzo molto). Datemi anche un vostro parere se ve ne siete fatti uno. Enjoy.

 

All Images Copyright © Eric Pillot – Published with permission of the author.

Born in 1970 into a Hubei province farming family. At the age of 19, like millions of other chinese young people, Li Wei migrated to Beijing.

www.liweiart.com

 

Li Wei’s compelling but provocative performance art pieces continue to ingeniously explore the multiple realities of China’s complex contemporary society within the staged fantasies that he creates. Some of his photos are indeed humorous, while others are disconcerting, but all provide fascinating insights into both the artist himself and into China today. He says about his work: “I think I’m trying to express the real world surrounds us. That’s why I lifted myself high, to experience the real, though the result is ‘to make the impossible possible.’ Yes, the social issue is what I care, I shot in construction sites, in rural places… that’s what I want to show how fast the economy developed in China and at the same time how dangerous and unstable it is.”

Le avvincenti ma provocatrici performance di Li Wei continuano a esplorare ingegnosamente le molteplici realtà della complessa società contemporanea cinese all’interno delle rappresentazioni fantastiche che egli crea. Alcune delle sue foto sono davvero divertenti, mentre altre sono sconcertanti, ma tutte ci mostrano le affascinanti intuizioni dell’artista e della Cina di oggi. Questo è quanto l’artista dice del suo lavoro: “Penso di star cercando di esprimere il mondo reale che ci circonda. E’ per questo che mi sono sollevato verso alto, per sperimentare il reale, anche se il risultato è quello di ‘rendere possibile l’impossibile’. Sì, la questione sociale è ciò che mi interessa, ho girato in cantieri edili, in luoghi rurali…quello che voglio mostrare è come l’economia si sta sviluppando velocemente in Cina, e allo stesso tempo quanto pericolosa ed insostenibile sia.”

 

All Images Copyright © Li Wei – Published with permission of the author.

Lori Nix was born and raised in western Kansas.

www.lorinix.com

 

This is what Lori has to say about her work and about “The City”, the project I present today: “I am often asked questions about the inspiration for my work as well as my working process. As a ‘non-traditional’ photographer (I construct my subject matter rather than go find it) people find it hard to grasp what exactly it is that I do. And the fact that it is all done in front of the camera, with no digital manipulation, adds its own set of challenges. Building materials, lighting, issues of scale and space all become significant when you are recreating the world on a table top. – …(in) The City, I have imagined a city of our future, where something either natural or as the result of mankind, has emptied the city of its human inhabitants. Art museums, Broadway theaters, laundromats and bars no longer function. The walls are deteriorating, the ceilings are falling in, the structures barely stand, and yet Mother Nature is slowly taking them over. These spaces are filled with flora, fauna and insects, reclaiming what was theirs before man’s encroachment…I am afraid of what the future holds if we do not change our ways regarding the climate, but at the same time I am fascinated by what a changing world can bring.” Enjoy.

Questo è ciò che Lori ci racconta sul suo lavoro e su “The City”, il progetto che presento oggi: “Spesso mi fanno domande circa l’ispirazione per il mio lavoro e sul suo ‘processo costruttivo’. Siccome sono una fotografa “non tradizionale” (costruisco il mio soggetto invece di andare a trovarlo), le persone trovano difficile afferrare cosa sia esattamente quello che faccio, e il fatto che tutto è costruito di fronte alla macchina fotografica, con nessuna manipolazione digitale, aggiunge una propria serie di sfide. I materiali da costruzione, l’illuminazione, le questioni di scala e di spazio, diventano tutti significativi quando stai ricreando il mondo su di un tavolo. – …in “The City” ho immaginato una città del futuro in cui qualcosa, come una catastrofe naturale od ‘umana’, ha svuotato la città dai suoi abitanti. I musei d’arte, i teatri di Broadway, le lavanderie e i bar non sono più funzionanti. Si stanno deteriorando i muri, i soffitti cedoni, le strutture riescono a malapena a stare in piedi mentre madre natura le sta lentamente risucchinado. Questi spazi sono pieni di flora, fauna e insetti, reclamando quello che erano prima dell’invasione dell’uomo…Ho paura di cosa ci potrebbe riservare il futuro qualora non cambiassimo il nostro modo di trattare il clima, ma allo stesso tempo sono anche affascinata da ciò che può portare un mondo che cambia.” Enjoy.

 

All Images Copyright © Lori Nix – Published with permission of the author.

French & German, live and work in Paris, France.

www.lucieandsimon.com

 

“Silent World” is a remarkable work. I love it. I reproduce hereby the author’s statement: “In the Silent World project, we wanted to study and transform our world’s most symbolic metropolises into imaginary, fictional, impossible places. In our work, we always try to study and put into image the frontier between reality and the world of dreams. Our desire was to put the viewers into a puzzling and uncomfortable place, pushing him to put into question notions of time and space, but mostly our role and position towards the becoming of our world. From a technical point of view, we wanted to do a project mixing two periods of History of Photography. The beginning of Photography’s techniques in the 19th century by realizing a single very long exposure image of several hours. This way all elements in movement (cars, persons, etc) disappear. We developed a black filter for our camera, which is usually used in Astronomy for analyzing stars and space and which doesn’t allow the camera to receive enough light, therefore needs several hours to record one image. From their on, we do “classical” images of a fraction of a second, and start working on the computer for several days mixing all these details so that the final image looks like a instant, an frozen moment stolen from an imaginary world.”

“Silent World” è un lavoro straordinario. Lo adoro. Vi riporto lo statement degli autori: “Con il progetto “Silent World” abbiamo voluto studiare e trasformare le metropoli più simboliche del nostro mondo in luoghi immaginari, irreali ed impossibili. Nel nostro lavoro cerchiamo sempre di inserire nelle immagini una frontiera tra la realtà e il mondo dei sogni. Il nostro desiderio era di mettere lo spettatore in un luogo scomodo ed enigmatico, spingendolo a questionare le nozioni di spazio, tempo e soprattutto il nostro ruolo nel divenire del mondo. Dal punto di vista tecnico, abbiamo voluto realizzare un progetto che mescolasse due periodi storici della fotografia. Uno è l’inizio delle tecniche fotofrafiche del 19° secolo, realizzando una singola esposizione lunga diverse ore, in modo che tutti gli elementi in movomento (macchine, persone, ecc) scomparissero. Per poterlo fare abbiamo sviluppato un filtro nero per la macchina fotografica (che è solitamente usato in astronomia per analizzare le stelle e lo spazio) che non le permettesse di ricevere abbastanza luce e che di conseguenza necessitasse di molte ore per registrare un immagine. Successivamente, abbiamo realizzato una “classica” immagine della frazione di un secondo, lavorato al computer per diversi giorni mescolando tutti i dettagli delle due fotografie, finché l’immagine finale non apparisse come un istante, un momento congelato, rubato ad un mondo immaginario.”

 

All Images Copyright © Lucie & Simon – Published with permission of the authors.

Oleg Dou was born in Moscow in 1983.

www.olegdou.com

 

The artist featured today is a young Russian photographer that since the begining of his career has always had a unique style. You could almost name this photographic style after him: frontal portraits, white and soft skin almost like porcelain, huge eyes, and android-like features. Oleg’s portraits are masterpieces of manipulation to the point that Adobe has chosen one of his images as the cover of their soon-to-appear Photoshop CS6. Currently the artist is represented by numerous galleries in Paris, Utrecht, Barcelona and Brussels. Oleg Dou is one of the best examples of what can be achieved maximizing the use of today’s photographic instruments combined with talent and fantasy which this Russian artist has to spare. Enjoy!

L’artista di oggi è un giovane fotografo russo che dall’inizio del suo lavoro ha sempre avuto uno stile unico. Si potrebbe quasi dare il suo nome al genere fotografico: ritratti frontali, pelli bianche e lisce come la porcellana, occhi grandi e fattezze tipicamente androidi. I ritratti di Oleg sono un capolavoro del fotoritocco, al punto che la Adobe quest’anno ha scelto una delle sue immagini per la copertina della versione Photoshop CS6 che sta per uscire. Attualmente l’artista è rappresentato da diverse gallerie a Parigi, Utrechtt, Barcellona e Bruxelles. Oleg Dou è forse uno degli esempi più eloquenti di ciò che si può ottenere sfruttando a pieno gli strumenti fotografici odierni, insieme chiaramente a tanta fantasia, ingrediente che a mio parere, l’artista russo ha da vendere. Enjoy.

 

All Images Copyright © Oleg Dou – Published with permission of the author.


Elena Givone was born in Turin (Italy) in 1979. She lives and works between Turin and
Amsterdam.

Represented by CONTRASTO

www.elenagivone.com

 

“Flying away” is a project divided in two parts both made in Brazil, one done with kids of the favela di Palhoça at Florianapolis and the other one done at Salvador de Bahia with children living in the Fazenda Apartillhar, a dentention house for the youth. The author has asked the children to express a desire using the “flying carpet of fantasy”. I find both projects to be exceptional. I encourage you to visit Elena’s site to see everything you will not see here. The immages are beautiful and quite different amongst them regardless of the fact the they were created as a series. It’s interesting to see that the prevailing facial expression in the children is still that of a smile as opposed to that of the teens. Enjoy.

“Flying Away” è un progetto diviso in due parti, entrabe realizzate in Brasile, una con i bambini della favela di di Palhoça a Florianopolis e l’altra a Salvador de Bahia, con i minori residenti nella Fazenda Apartillhar e nelle case di detenzione minorili. L’autrice ha chiesto ai suoi soggetti di esprimere un desiderio usando il tappeto per volare nella fantasia. Entrambi i progetti sono straordinari, vi invito a visitare il sito di Elena per vedere quello qui non troverete. Le immagini sono belle e diverse tra loro, pur essendo costruite in serie. E’ interessante tra le tante cose notare che nei bambini, a dispetto agli adolescenti, l’espressione più comune sia ancora il sorriso. Enjoy.

 

All Images Copyright © Elena Givone/CONTRASTO – Published with permission of the author.

Vanessa Winship was born in the United Kingdom and now lives in London.

Represented by AGENCE VU

www.vanessawinship.com

 

“Sweet nothings” is a beautiful portrait project. The artist, who along her life has lived many years in the area between the Balkans and Turkey, has put together a hefty work in black and white (film) about young provincial school girls who live in the border region of east Anatolia, close to Iran, Iraq and Armenia. In this area it is not so common to see girls going to school. The physiognomies of these girls, their physical attitude in front of the camera, and the intensity of their expressions makes me think of the pictures of my grand parents as kids in the early 1900’s. I find these to be images filled with poetry. With this project, Vanessa Winship won the 2008 World Press Photo in the section Portraits Story. This is what Vanessa has to say about her work: “Many things touched me during the making of these images. I was touched by the gravity in their demeanour at the moment in front of the camera, their fragility, their simplicity, their grace, their closeness to one another, but most of all I was struck by their complete lack of posturing.”

“Sweet Nothing” è un bellissimo progetto di ritratti. L’artista, che nel corso della sua vita ha vissuto tanti anni tra la zona dei Balcani e la Turchia, ha messo insieme un corposo lavoro in bianco e nero in pellicola, di piccole scolarette provinciali che vivono in una zona di confine dell’ Est dell’Anatolia, in un area vicina all’Iran, all’Iraq e all’Armenia, dove tradizionalmente non sono tante le ragazze che frequentano la scuola. Le fisionomie di queste bambine, la loro postura di fronte la camera e l’intensità delle loro espressioni, mi ricordano tante immagini della generazione dei miei nonni bambini, nella prima metà del ‘900. Trovo che siano immagini piene di poesia. Con questo progetto Vanessa nel 2008 ha vinto il World Press Photo nella sezione “Portraits Story”. Questo è quanto ci racconta l’autrice del suo lavoro: “Sono tante le cose che mi hanno toccato durante la ripresa di queste immagini. Sono stata toccata dal loro contegno davanti la macchina fotografica, dalla loro fragilità, dalla loro semplicità e grazia, dalla vicinanza dell’una con l’altra, ma più di tutto sono stata colpita dalla loro completa mancanza di atteggiarsi.”

 

All Images Copyright © Vanessa Winship/AGENCE VU – Published with permission of the author.

 

 

Jooney Woodward was born in London in 1979 but moved to Dorset when she was five.

www.jooneywoodward.co.uk

 

In previous occasions I have already shown work by participants in the Taylor Wessing Portrait Prize, one of the most (if not the most) important European contests dealing with photographic portrait. Well, today I am presenting to you Jooney Woodward, last year’s winner. The first image shown was actually last year’s winning portrait: “Harriet and gentleman Jack”.  Woodward’s photographic research spins around the rural and suburban worlds of Great Britain, most specifically of Wales. Her subjects seem to live in an ancient world and  there is no doubt the physiognomies belong to the specific geographic area. Amongst the many annual farming festivals and fairs happening out there in those places in the middle of nowhere, you can, through these remarkable pictures, sense the presence of old stories and traditions. This is what Joony Woodward says about her technique: “I use a Mamiya RZ, medium format film camera. It’s more of a studio camera and therefore it’s quite heavy, but I love the results I get from it. I prefer the quality and depth you get from using film. I don’t mess around with Photoshop, so what you see is what you get. We’re in an environment now where we are inundated by enhanced images, which portray a false sense of reality. My work celebrates the people and places as they appear every day.”

Ho già citato diverse volte in questo blog alcuni dei finalisti del Taylor Wessing Portrait Prize, forse il concorso europeo più importante per quanto riguarda il ritratto. Ebbene, l’autrice di oggi è la vincitrice dell’ultima edizione. L’immagine con cui ha vinto il premio è la prima di quelle mostrate sotto: “Harriet and the Gentleman Jack”. La sua ricerca fotografica è incentrata sul mondo rurale e periferico della Gran Bretagna, il Wales in particolare. I suoi soggetti sembrano vivere in un mondo arcaico e le fisionomie sono tipicamente appartenenti al luogo. Tra le esibizioni annuali di animali, gli eventi legati all’agricoltura e i paesaggi sperduti chissà dove, si intuisce la presenza di storie antiche e di tradizioni tramandate. Questo è quanto dice Jooney riguardo il suo modo di fare fotografia: “Uso una Mamiya RZ, medio formato a pellicola. E’ più di una macchina da studio, è infatti un po’ pesante ma adoro il risultato che mi da. Preferisco la qualità e la profondità che si ottengono utilizzando la pellicola. Non mi trastullo con Photoshop, quello che vedete è quello che è. Ora viviamo in un’ambiente in cui siamo inondati da immagini caricate, che ritraggono un falso senso della realtà. Il mio lavoro celebra le persone e i luoghi così come appaiono ogni giorno.”

 

All Images Copyright © Jooney Woodward – Published with permission of the author.



Iscriviti

Get every new post delivered to your Inbox.

Join 25 other followers